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    Benur, il Gladiatore di Massimo Andrei

    Dal teatro al cinema Benur diventa una commedia dai molteplici piani di lettura. Un buon film quello di Massimo Andrei, che omaggia la grande Commedia all’italiana


    Massimo Andrei un’impresa complicata affrontare un successo teatrale e trasferirlo al cinema, in un linguaggio totalmente diverso…

    Io volevo rappresentare la miseria umana ma lo volevo fare con una risata, una parolaccia, di petto. Mi ricordava una certa grande commedia all’italiana che sapeva ridere sulle nostre disgrazie, sulle miserie di una società che si guardava per cambiare, per correggere certe aberrazioni. Vorrei ringraziare gli attori, i produttori, Il nostro montatore Claudio Di Mauro, che ha creato tante straordinarie commedie di successo e infine ma non certo per ultimo il Maestro Nicola Piovani che ci ha regalato attimi della sua poesia.
    Detto questo io sono arrivato con una sceneggiatura già’ esistente. Ovviamente ci abbiamo ragionato molto perché tra teatro e cinema il passo e’ grande. Abbiamo sfondato una parete e siamo arrivati al Colosseo….

    Gianni Clementi come ti senti ora che la tua commedia arriva al sul grande schermo?
    La ricostruzione di massimo e molto fedele e lo ‘sfondamento’ di quel muro era necessario, anche se non sapevamo come sarebbe stato possibile ambientare il film in un luogo simbolico. Da questo punto di vista c’è stato un impegno produttivo notevolissimo. Poi quando sai di poter avere quella location adattare la sceneggiatura e’ stato molto semplice…

    Un finale diverso, consolatorio, o forse e’ solo un sogno?
    Un Colosseo può essere anche un monumento ‘pesante’ da sopportare. Un peso incredibile per un italiano che lavora, che non Sto arrivando! Bene ogni giorno come farà ad andare avanti… Poi il monumento e’ da sempre un simbolo, pure il grande Alberto Sordi ci salì per gridare il suo disagio… Bisogna guardare il film per farsi un’idea naturalmente.

    Elisabetta, da attrice cosa ci racconti su questo esperimento teatral-cinematografico?
    A volte e’ stato mentalmente difficile riportare quel pathos teatrale al cinema, perché quello dovevamo fare per avere un risultato soddisfacente dopo circa 300 repliche. Ormai con Nicola e Paolo siamo fratelli, ci capiamo senza parlare, basta uno sguardo. Credo che rarissimamente sia capitato ad un cast di avere quella preparazione alle spalle prima di girare.

    Paolo Triestino, la tua personale esperienza sul set di Benur?
    Abbiamo battagliato molto anche sulla trasposizione teatrale. Ci eravamo affezionati, e’ naturale. Pensate cosa e’ stato recitarla al teatro romano di Ostia Antica… Però il cinema richiedeva una trasformazione e per me da attore e’ stata una sfida che spero di aver vinto.

    Nicola Pistoia, da romano de Roma, un film che hai sentito, come e più di altri…
    Non sapevo bene come avremmo amalgamato quegli interni rodati in teatro, amalgamati con gli esterni potenti di cui abbiamo parlato. Poi si dice sempre che noi attori pagheremmo chi sa cosa, pur di stare in platea a vedervi recitare… Ecco stavolta bastano 7 euro! Poi si c’è tanta Roma, in cui siamo tutti sulla stessa barca, romani e migranti. Tor Sapienza non la conoscevo, se ci passi ci vai di corsa, non ti fermi, hai paura di lasciare la macchina per paura che te la rubino. Ed invece ho visto una gentilezza, una umanità, una dignità di chi ha poco e ti mette a disposizione la sua casa per farti fare un film, che confesso mi ha fatto un po’ vergognare delle mie paure.

    Gianni questo e’ un film che contiene tanta umanità, tanta sofferenza, tanto lavoro ed esce in sala il primo di maggio non a caso…
    Assolutamente no, ovviamente. Una sera osservavo dei ‘centurioni che su un autobus tornavano a casa dopo una giornata d’estate passata al lavoro ai Fori Imperiali. Questa scena si impresse nella mia memoria come la notizia che lessi di un povero immigrato morto di fatica su un campo di pomodori in Campania e abbandonato a qualche chilometro da un caporale senza scrupoli. Queste due immagini sono diventate una commedia dolce amara, dal titolo Benur, che certamente non accasato arriva in sala il Primo Maggio.

    Elisabetta, tu hai un aneddoto particolare che è’ precedente alle riprese, addirittura precedente al tuo provino teatrale, c’è lo racconti?
    Stavo girando per Uno Mattina delle mini fiction sul mondo del lavoro ed avevo incontrato questa storia, davvero molto simile, nella dura realtà. Questo mi successe alcuni mesi prima di fare il provino, questo spiega tante cose…

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    Far East Film Festival 2013. Inizia il contro alla rovescia!

    Nove giorni di pura adrenalina per la 15esima edizione del Far East Festival di Udine, che aprirà ibattenti venerdì 19 aprile per concludersi sabato 27.
    Moltissime le novità di quest’anno: vampiri filippini, la nascita della dinastia Han, spie nord coreane,trucchi di corteggiamento, due giapponesi a spasso per Parigi, un lupo mannaro coreano… in campagna, non poteva mancare nemmeno lo Sherlock Holmes di Hong Kong, l’Ocean Eleven rifatto secondo lostile di Macao e una versione del padrino thailandese.
    Tutto questo e molto altro al Teatro Nuovo Giovanni da Udine, location consueta per la manifestazionepunto di riferimento imprescindibile per gli appassionati di cinematografia asiatica.
    Aprirà il festival Confessions del giapponese Nakashima Tetsuya, pellicola rivelazione definita daMichael Mann “un capolavoro inquietante e assoluto”, fregiatasi nel 2010 della Nomination agli Oscar come miglior film straniero. La vasta programmazione continua con ben 60 titoli che attingono alle produzioni asiatiche degli ultimi mesi.

    Catalogo ampio e articolato a cominciare da una doppietta dianteprime europee:
    Girls For Keeps di Fukagawa Yoshiro, insolita comedy nipponica, e Ip Man – TheFinal Fight di Herman Yau, nuovo capitolo della saga dedicata a Bruce Lee, con la partecipazione straordinaria di Anthony Wong nei panni del mentore dell’icona universale del kung fu.
    Il FEFF 15 presenterà anche quattro titoli che spaziano dalla bellezza malinconica di A Story of  Yonosuke, del giapponese Okita Shuichi, al perfetto stile Sherlock Holmes di The Bullet Vanishes, detective story cinese ambientanta alla fine dell’Ottocento (cast arricchito da Lau Ching-wan e NicholasTse), fino all’action hongkonghese Cold War di Longman Leung & Sunny Luk, infine Lost in Thailand dell’attore/regista Xu Zheng.
    Tra gli eventi da segnalare, oltre all’anteprima europea del kolossal The Guillotines di Andrew Lau edell’horror The Complex di Hideo Nakata, la consegna del Gelso d’oro alla carriera al coreano KimDong-ho, il ricordo del regista filippino Mario O’Hara e la pubblicazione del volume dedicato al registacinese King Hu, con interviste e materiali inediti.

    Per il programma completo consultare
    http://www.fareastfilm.com

    Chiara Nucera

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    Riccobono e Lodovini, non solo belle in Passione sinistra

    Eva Riccobono e Valentina Lodovini, due bellissime e divertenti protagoniste di ‘Passione sinistra’, ci raccontano le loro protagoniste in un’Italia sempre più allo sbaraglio…

    Eva quanto è difficile recitare la parte della bionda completamente svampita?
    E’ difficile ma divertente. Perché hai la possibilità di tornare ad essere bambina, frivola dire quello che ti pare senza freni. I ruoli più distanti da te sono quelli che ti gratificano di più, devi inventare una personalità che non ti appartiene. In america hanno creato stelle ed incassi fantastici, in Italia non so perché fanno paura.

    Eppure sei quella che tra tutti i caratteri che vediamo nel film dice le verità più condivisibili
    Si perché è il personaggio meno costruito, il più spontaneo, che ha meno preconcetti. Essere di destra ti obbliga ad avere dei comportamenti, idem se sei di sinistra. E’ la nostra società e lei invece riesce ad essere se stessa e si vuole un gran bene.

    Abbiamo parlato di Simonetta, la tua protagonista, Eva invece come vede la realtà che ci circonda, come reagisce alle prime pagine dei giornali che legge al mattino?
    Sono profondamente imbarazzata, disgustata sinceramente. Sono stata sempre una grande sostenitrice dell’Italia nel periodo in cui per il mio mestiere di modella ero in America. Sono sempre voluta tornare, amando il mio Paese, che mi mancava. Proprio viaggiando in tutto il Mondo ho capito che meglio dell’Italia non c’è. Il problema dell’Italia sono gli italiani, un popolo chenon si ama. Noi preferiamo sempre l’erba del vicino, sempre più verde; abbiamo dimenticato quanto sia bella la nostra patria e non la rispettiamo più…

    Valentina, credi di assomigliare alla tua protagonista, ecologista e politicamente impegnata?
    Guarda in effetti no, io e Nina non abbiamo assolutamente nulla in comune, comunque è stato molto bello interpretarla. Siamo distantissime, lei è idealista e come gli idealisti spesso si fa travolgere dalla realtà, io sono molto più pragmatica. Io credo, spero, mi auguro, ci provo… ad essere coerente; Nina non si pone molto il problema di essere coerente, crede e basta. In questo dico che siamo distanti.

    Eva Riccobono si dice ‘disgustata’, tu invece come ti rapporti alle prime pagine dei giornali italiani?
    Da cittadina sono molto molto preoccupata. Mi rendo conto che stiamo vivendo il periodo più nero dal dopoguerra e c’è davvero poco da scherzare. Nina si racconta con leggerezza perché la sua vicenda è inquadrata nell’ambito della commedia. Ecco forse se mi chiedi di cercare un punto di contatto tra Nina e Valentina posso inquadrarlo nella confusione che entrambe ci troviamo ad affrontare. Le paure sono probabilmente le stesse, il modo di affrontarle è però profondamente diverso.

    La crisi quanto e come incide sul meraviglioso mondo dello spettacolo?
    Tanto, come in tutti gli altri settori, non è che poi siamo dei privilegiati inaccessibili. Io personalmente mi sento fortunata perché ho lavorato ed in questo momento sto lavorando tanto, però si produce molto meno e si può tranquillamente parlare di disoccupazione anche tra gli attori.
    La cultura nel nostro Paese sono molti anni che non riceve il giusto sostegno. Figuriamoci adesso che ci sono problemi molto, molto più seri. Se eravamo l’ultima ruota del carro adesso cosa siamo diventati…?

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    L’Argentina vince il Future Film Festival

    Si chiude con il trionfo dell’Argentina la XV edizione del Future Film Festival di Bologna (12/17 aprile), che anche quest’anno si è confermato un osservatorio irrinunciabile sul meglio delle nuove tecnologie applicate all’animazione, al cinema, ai videogame e ai new media.

    Il Platinum Grand Prize come migliore lungometraggio in concorso a Anima Buenos Aires, il film di María Verónica Ramírez che fonde ironia, tango ed emozione per raccontare l’anima nascosta della Capitale argentina, attraverso lo sguardo acuto dei più importanti artisti dell’animazione e della grafica del Paese.

    Quattro gli episodi che compongono il film – corrispondenti ciascuno ad un diverso punto di vista e ad un luogo peculiare della città -, realizzati con tecniche le più diverse, dall’animazione 2D al collage al fotomontaggio alla stop-motion: Anima Buenos Aires, come sottolinea la motivazione dei giurati, “propone con originalità l’immagine di un Paese ricco di idee fervide, sospeso tra umorismo e nostalgia e capace di proiettarsi oltre il difficile periodo di crisi socioeconomica. Nell’opera si legge la vitalità inventiva di diversi autori che, come in un mosaico, recuperano la struttura a episodi offrendo un esempio brillante di modello realizzativo che rappresenta uno stimolo per produttori e registi della scena internazionale“.

    Menzione speciale per un altro film di grande ricchezza figurativa, Consuming Spirits di Chris Sullivan, costato al suo autore 15 anni di lavoro e già applaudito dalla critica americana come uno straordinario esempio di animazione adulta. Un film – come spiega la motivazione della giuria – “complesso e terribile, che trasporta lo spettatore in un mondo angusto. La programmatica sgradevolezza di uno scenario senza scampo ci si offre come materia di sogno e poesia. Un’opera potente che non scende a compromessi“.

    Nel concorso Future Film Short riservato ai cortometraggi, sostenuto quest’anno da Rai.tv e Provincia di Bologna, la giuria composta dai giornalisti Andrea Fornasiero e Romano Garofalo e dall’animatore Andrew Spradbery ha premiato Cedric & Hope di Pierce Davison (Australia 2012), “per il monito contro gli integralismi religiosi e il confronto tra fede e progresso, coniugato con un’ottima tecnica in stop motion e un racconto originale dal gusto ironico che sconfina nel non-sense“.  Menzione speciale per Tears of Steel di Ian Hubert (Olanda 2012), “per l’ottima fattura degli effetti speciali e la qualità della recitazione, oltre che per  l’ironia con cui è demistificata con gusto pop l’ormai convenzionale ambientazione roboapocalittica“.
    Diversi i giudizi del “voto popolare” degli spettatori che in questi 6 giorni hanno affollato le sale del Cinema Lumière: il Primo premio del Pubblico è andato al giapponese Travelling Daru di Ushio Tazawa, mentre sul secondo gradino del podio salgono ex-aequo il francese Una Lagrima Furtiva di Carlo Vogele e Autor De Minuit e il tedesco Atlas di Aike Arndt.

    Il terzo concorso del FFF, quello del Premio Franco La Polla assegnato alla migliore tesi di laurea di argomento cinematografico degli anni 2010-2013, specificamente sui temi della fantascienza, del fantasy, dell’animazione e degli effetti visivi, ha visto affermarsi “UNCLE SAM WANTS… Bugs, Donald and Daffy – Il Cinema di animazione americano di propaganda e il secondo conflitto bellico” di Alessia Cecchet, “per l’originalità dell’argomento, la maturità con cui affronta il tema sotto il profilo metodologico e la ricchezza dei riferimenti bibliografici e filmografici“. Novità di quest’anno, Edizioni Arcoiris, in collaborazione con il Future Film Festival, pubblicherà la tesi nella neonata collana Nastri d’argento. Il Premio, con la supervisione di Susanna La Polla, è assegnato da una giuria composta da Silvia Albertazzi (Docente di Letteratura Inglese, Università di Bologna), Giacomo Manzoli (Docente di Storia del Cinema, Università di Bologna), Michele Fadda (Docente di Storia del Cinema, Università di Bologna), Leonardo Gandini (Docente di Storia del Cinema presso l’Università di Modena e Reggio-Emilia), Roy Menarini (Critico cinematografico e docente di Storia del Cinema presso l’Università di Udine), Massimiliano Spanu (Docente di Semiologia del Cinema e degli audiovisivi, Università di Trieste), Enrico Terrone (Docente di Storia e critica del Cinema presso l’Università del Piemonte Orientale, redattore di Segnocinema)

    Più che positivo il bilancio generale dell’edizione 2013, che – fedele al motto di quest’anno, “Tweet the Monster” – ha potuto contare su anteprime molto attese come il film di apertura Hansel & Gretel: Cacciatori di streghe 3D, Monsters & Co. 3D, l’evento speciale di chiusura Le Streghe di Salem e il film di chiusura La Casa; ma anche su omaggi come quelli ai cinquant’anni di Calimero e ai Mostri Classici della Universal (protagonisti di una suggestiva mostra in Piazza del Nettuno). E ancora, un ricco programma di proposte fuori concorso, di Follie Notturne, e di Eventi Speciali per tutti i gusti e tutte le età.

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    Diane Fleri: “Anch’io sono stata come Nina”

    Diane Fleri, già protagonista di Mio fratello è figlio unico e Solo un Padre, ci racconta la sua intensa interpretazione in Nina, esordio alla regia per Elisa Fuksas.

    Diane, come hai incontrato questo personaggio, che ti ha impegnata al di la’ del tuo lavoro, sfiorando la tuia sfera personale?
    Io sono stata molto coinvolta da questo film. Il caso ha voluto che mentre giravamo Nina stessi attraversando un periodo molto critico a livello personale, di passaggio, di svolta, pieno di paure; mi stavo rimettendo in discussione. Credo che capiti a molti di svegliarsi un giorno e non riuscire a ‘sentirsi’, a capire bene chi si è, chi si vuol essere, e questa è proprio Nina.

    Immedesimazione totale con il personaggio dunque?

    Con le dovute differenze, certo, ma quel che voglio raccontare è che ho portato al personaggio di Nina certe inquietudini mie personali, mischiandole con quelle che la regista aveva già scritto per lei. Si può dire che si tratti del perfetto incontro tra due inquietudini. Poi il resto lo fanno la straordinaria fotografia, le musiche, i colori, il nostro lavoro. Tutto questo oggi è un film. Solo oggi riesco a vederlo lucidamente per quello che è; fin ora lo avevo vissuto troppo internamente.

    Diane, chi è la tua Nina?
    Nina è una ragazza che semplicemente ha una grande difficoltà ad accettarsi. Non sapere come affrontare delle scelte è lo specchio dell’incapacità di farsi delle domande. No sa prendere una sua strada, ad innamorarsi, a scegliere un lavoro, una casa. Sembra tutto molto metaforico, invece stiamo parlando del quotidiano, in cui Nina è completamente persa in questa nuvola tutta sua. E’ in un mondo onirico dove tutte le domande possono rimanere sospese in attesa di u futuro che non arriva mai.

    Non vuole crescere la tua Nina?
    Probabilmente si, infatti la sola figura che riesce davvero ad interagire con lei nel film è un bambino, che pero sembra più un fratello maggiore, perché è l’unico a dirle la verità dritta in faccia, come solo i bambini a volte sanno fare.

    Il fascino del film di Elisa Fuksas risiede nella cura maniacale dell’immagine, ci spieghi come ci avete lavorato?
    Qui Elisa è stata davvero bravissima. Il film è girato a Roma, all’Eur, in un’estate spettrale, priva di passanti, in cui lei si aggira in un modo quasi completamente autosufficiente. Il film esprime esternamente ciò che lei vive internamente e quindi questo vuoto pneumatico che noi vediamo, le strade e i viali deserti, sono il vuoto che vive lei, nonostante abbia la giornata piena d’impegni che le permettono di aspettare ancora…

    Cosa ti ha convinta maggiormente in questo tuo nuovo lavoro?
    E’ stato interessante per me lavorare su un personaggio che è uno spettatore piuttosto che un protagonista. Il lavoro si è basato prevalentemente sull’ascolto, sulle ripercussioni che aveva l’ambiente esterno su di me, sul mio corpo, sul mio viso. Ci sono dei momenti in questo mio ruolo per i quali Elisa mi ha chiesto semplicemente di essere inquadrata e di ascoltare, senza parlare. A volte evocava ricordi, emozioni e chiedeva di interagire con essi, senza parlare, mentre lei riprendeva delle mie emozioni che poi ha sapientemente usato per costruire il suo film. Sembra facile, ma invece non lo è, anche perché lei è molto sensibile e molto determinata, sul set la chiamavamo Il Presidente!

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    Enrico Brignano ‘becchino e innamorato’ in Ci vediamo domani

    Enrico Brignano è il protagonista di ‘Ci vediamo domani’, commedia anti crisi diretta da Andrea Zaccariello. Il comico romano recita accanto a Burt Young e Francesca Inaudi.

    Una commedia particolare, dove c’è posto anche per una storia d’amore
    Direi che ho fatto un film con sentimento. La mia è una commedia con sentimento, io faccio tutto con sentimento e lo sapete perché? Perché anche gli errori, se son fatti con sentimento sono perdonabili, altrimenti no.
    E’ una commedia che parla di amori, sbagliati, perduti, sfiorati; parla anche di amicizie, ma soprattutto parla di invecchiamento. Non si tratta di una malattia, è un dato di fatto, tutto si invecchia, le cose e le persone, e le une e le altre possono invecchiare bene oppure male.
    In questo film vengono raccontate storie di persone che invecchiano bene, malgrado tutto, ricordandosi sempre di salutarsi con un bel “ci vediamo domani”.

    Come ti sei trovato in questo ruolo da protagonista, tra il comico ed il sentimentale?
    Per me è stata una sfida. Avrei potuto accettare altri copioni, economicamente più allettanti, ma questa storia per me andava raccontata così, in modo divertente, accattivante, appetitoso. Sono contento di aver accettato questa sfida.

    Un film che hai scelto, cambiando anche per un po’ i tuoi piani di lavoro in teatro…
    Si, sono stato per alcune settimane in questa meravigliosa masseria, che nella realtà non è funzionante ma è un vero e proprio museo. Sembra un paesino nella finzione cinematografica, un paesino come ce ne sono tanti, meravigliosi in Italia, tutto fatto di salite, anche le discese infatti sono faticose come le salite. Un luogo talmente bello che inganna anche la morte.

    Un film per l’Italia in crisi che ha paura di sognare?
    Comincia come una favola, con ilo tono pacato, c’era una volta… il pubblico secondo me ha voglia di una storia credibile, che non vuol dire che quella storia dev’essere per forza vera. Chi da bambino non amava le favole, magari una in particolare, che la mamma, la nonna, la zia, gli raccontavano, magari sempre la stessa, quella preferita. L’Italia ha paura di sognare, certo, come dargli torto? Con quei parlamentari senza Dio? Non perché debbano essere per forza cattolici, apostolici, sono senza coscienza, magari non tutti ma molti. Senza una morale, perchè in un paese in cui si muore di crisi e in un momento in cui la nazione sta cercando di capire dove andare per non fare la fine di Cipro, ci sono politici, non più eletti, che prendono lo stesso centinaia di migliaia di euro, una vergogna…

    Invece il tuo becchino per caso è sognatore e romantico, ti sei perfino commosso pare, lavorando con Burt Young
    Scherzi, l’allenatore di Rocky…?? Lui è uno che per me sarà sempre quello che si arrabbia e butta il tacchino fuori dalla finestra in Rocky 1. Ci ha raccontato che anche in quel film si facevano i conti con il budget ed i macchinisti lo riprendevano e lo riportavano per la scena da rigirare finché non si è rotta una zampa…. Tutto il mondo è paese. Certo che mi ha emozionato lavorare con lui”.

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    Renzo Martinelli alle radici dell’11 settembre

    Il regista di Vajont e Piazza delle Cinque lune ci racconta la genesi di ’11 settembre 1683′, in cui dirige Murray Abraham, Enrico Lo Verso e Federica Martinelli.

    La data dell’undici settembre è nota in tutto il mondo per l’attacco terroristico alle Torri Gemelle. C’è stato però, nel corso della storia, un altro 11 settembre che ha segnato il destino dell’umanità quanto l’attentato alle torri gemelle. Si tratta dell’11 settembre del 1683, il giorno in cui fu spezzato l’assedio dell’esercito ottomano alle porte di Vienna. Un assedio che durava da due mesi e che sembrava sul punto di terminare con il successo dei turchi. Questa storia ha due protagonisti principali, il Gran Visir Kara Mustafà e Marco da Aviano un frate cappuccino consigliere spirituale dell’imperatore Leopoldo I. Il frate, dopo aver incitato le truppe viennesi all’ultima disperata difesa, si arrampicò su una collina dalla quale osservò il campo di battaglia per tutta la giornata con il suo crocifisso sollevato al cielo.Non è un film contro una visione religiosa rispetto ad un’altra, piuttosto un film contro tutte le guerre, soprattutto quelle di religione. Renzo Martinelli ce lo racconta così:

    Martinelli, un film sull’inutilità della guerra, soprattutto quella di religione…
    Assolutamente si. Una delle scene chiave è quella dell’incontro notturno tra Karà Mustafa e Marco D’Aviano. Entrambi sono convinti di aver ragione, di rappresentare la ragione del proprio Dio. La soluzione è alla fine del film con un campo di battaglia con decine di migliaia di morti e Marco D’Aviano a testimoniare al cielo tutto il suo dolore… Occorre oggi passare dallo scontro del 1863 al confronto, nel rispetto reciproco delle opinioni, ribadendo con forza la propria identità.

    Un film complesso il suo, avrà dovuto affrontare delle difficoltà produttive elevate per realizzarlo…
    Il film ha avuto un costo industriale di quasi dieci milioni di euro. Inizialmente l’idea era quella di coinvolgere nella coproduzione le quattro nazioni protagoniste delle vicende del film, quindi Italia, Polonia, Austria e Turchia: anche se ci siamo arrivati molto vicino, alla fine gli ultimi due paesi si sono defilati, quindi è diventata una coproduzione italo-polacca. Un film del genere è ovviamente complesso sia dal punto di vista finanziario per quanto riguarda la raccolta dei fondi per realizzarlo, sia dal punto di vista post-produttivo: nel film ci sono 1400 inquadrature digitali, non c’è una sola inquadratura che non sia stata trattata. Quindi una fase di montaggio lunga e complessa.
    Sono stati proprio i tempi molto lunghi della post produzione che ci hanno orientati, di comune accordo con Rai Cinema, a passare successivamente la distribuzione a Microcinema, che ha lavorato a tempo pieno e con grande passione su questo progetto.

    Cosa l’ha spinta a voler raccontare questa storia?
    Come accennavo è un film contro le guarre di religione, ma nasce da un’inquietudine collettiva che ci ha lasciato l’attacco alle Torri Gemelle. Ero al montaggio mi ricordo (tutti ricordano esattamente cosa facevano in quel momento dell’11 settembre 2001), stavo completando Vajont. Un amico mi chiamò e mi disse, è venuta giù uina torre a New York. Tornai al montaggio e mzz’ora dopo erano giù entrambe. Da allora la nostra società non è stata più la stessa.
    L’idea è nata proprio dodici anni fa: eravamo in Friuli per l’anteprima del film Vajont. Avevamo organizzato una cosa insolita, all’aperto con una spettacolare platea proprio sulla pancia della diga. Il giorno precedente pioveva a dirotto, un vero nubifragio, avremmo dovuto annullare tutto se non avesse smesso. Qualcuno della troupe locale mi disse: “Non si preoccupi, dottor Martinelli, abbiamo pregato Marco d’Aviano, domani spiove…”. E fu così. Non avevo idea di chi fosse Marco d’Aviano e un mio amico accese in me la curiosità, che mi porta in sala oggi…

    Difficile girare oggi in Italia uno dei suoi film epici, come ha fatto?
    Non lo so ancora oggi. Ho girato mezza Europa per cercare finanziatori, con il cappello in mano, ma è una parte del mio lavoro di regista produttore, macchinista montatore. Comunque difficoltà finanziare anzitutto. Un film del genere va interamente disegnato, quindi uno storyboard di cica 1000 pagine. Va progettato inquadratura per inquadratura, tutti i contributi da girare nei mesi successivi sono da tenere in considerazione al millesimo. Ad esempio per completare ogni singola scena, anche cose banali come le vedute di Vienna dalle finestre della Palazzo Imperiale, vanno fatte in post produzione, ma va calcolata la luce il taglio d’ingresso, cose complicatissime.

    Lei è uno dei nostri registi maggiormente tecnici, documentati al limite del maniacale. Con questa storia quanto è riuscito ad essere fedele e quanto c’è di romanzato?
    Siamo partiti da un romanzo, Il Taumaturgo e l’Imperatore, di Carlo Sgorlon, scrittore friulano. Da lì abbiamo allargato, insieme al mio co-sceneggiatore Valerio Massimo Manfredi, a tutta una serie di ricerche di documenti storici, dai diari di Padre Cosma, il frate che accompagnava Marco d’Aviano per i suoi pellegrinaggi a piedi attraverso l’Europa, fino a tutti gli altri saggi e libri scritti sull’argomento, sia da parte occidentale che musulmana. Alla fine tutto questo materiale deve necessariamente diventare un film e trasformato drammaturgicamente in una storia. Molte delle licenze che mi sono preso, come l’incontro notturno tra i due protagonisti, servono comunque a restituire il senso profonde del film, ovvero l’insensatezza della guerra di religione

    Instancabile Martinelli, sappiamo ad esempio che non ha ancora lanciato il suo ultimo lavoro in sala e già sta lavorando sul nuovo…
    Si, da circa tre anni stiamo lavorando a un film su Ustica. Un film che fornisce una nuova ipotesi totalmente documentata su quello che è veramente successo secondo noi. Sarebbe la quarta. Oltre al cedimento strutturale di un aereo adibito al trasporto passeggeri dopo esser stato un aereo che trasportava pesce; dopo la tesi della bomba nella toilette di coda e del missile aria aria che vrebbe dovuto colpire un Mig Libico e invece colpì il DC-9 Itavia.
    Riteniamo di avere individuato la vera dinamica di come sono andate le cose attraverso lo studio di documenti che evidenziano prove inconfutabili. Ustica è un insieme di verità inconfessabili che sono sempre state davanti ai nostri occhi, e che hanno portato a disseminare negli anni tutte le false verità che conosciamo.

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    Bomber: Rivelazioni on the road

    Commedia drammatica diretta da Paul Cotter, in concorso alla 27ma edizione del Torino Film Festival. Leggero e intelligente road movie in salsa britannica.
    VOTO: 3

    Un budget di soli 25 mila euro, un furgone, una gita fuori porta sui generis e la scelta ben precisa di concentrarsi sull’azione di soli tre personaggi, madre, padre e figlio. Generazioni a confronto, memoria e scoperta di sé e delle proprie emozioni: Bomber è questo e molto di più. Una commedia inglese brillante e intelligente, spigliata nell’indagare le sfumature dell’animo umano e soprattutto nel rispolverare con autoironia certi cliché del ‘British way of life’.
    Un esperimento di cinema indipendente, realizzato con pochi spiccioli e che in patria non ha ancora trovato una distribuzione, perché come ha spiegato il regista Paul Cotter “il fatto che abbia così pochi personaggi spinge a considerare questo film un prodotto tv e non cinematografico”. Diversa la sorte del film in Italia, dove dal 19 aprile trova finalmente spazio grazie a Distribuzione Indipendente, che ha anche un altro grande merito: quello di distribuirlo in lingua originale.
    Happy ending dunque per questo felice esordio, che arriva dal South by Southwest Film Festival dove fu presentato nel 2009: da quel momento una ricca vita festivaliera e una lunghissima lista di premi e riconoscimenti, che hanno presto trasformato il piccolo film di Cotter in un caso.
    Una storia semplice e lineare che offre il pretesto necessario ad analizzare le dinamiche di una famiglia disfunzionale e a rispolverarne questioni irrisolte.
    Lo sbandato convoglio on the road composto dalla coppia di ottantenni Alistair e Valerie, che decidono di recarsi per qualche giorno in un piccolo villaggio della Germania, e dallo spiantato figlio Ross, che si unisce in corsa e controvoglia, diventa occasione per un ritratto comico composto e dai risvolti spesso amari.
    La proverbiale freddezza British di Alistair, ex pilota della Raf, il ‘bomber’ del titolo consumato da una colpa mai espiata, e la carica emozionale di Ross faranno presto cortocircuito in una situazione di convivenza forzata, che alla fine del viaggio rivelerà la sua funzione epifanica.

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    Far East Festival Goes Flying

    Anche nel 2013 il Far East Fest di Udine propone un gran cartellone, e con un Concorso di 57 titoli punta lo sguardo sul presente e sul futuro del nuovo cinema Made in Asia.

     

    Il Far East Film Festival di Udine compie 15 anni e, come il compagno Kim della pellicola-evento nordcoreana Comrade Kim Goes Flying, comincia a volare.
    Anzi: continua a volare.
    Continua a puntare lo sguardo sul presente e sul futuro del cinema asiatico offrendo una Competition 57 titoli che attingono alle migliori produzioni degli ultimi mesi (senza dimenticare 6 corti griffati Fresh Wave Hong Kong, 3 titoli di e con King Hu e la dedica a Mario O’Hara) e rendendo omaggio all’alfiere mondiale della cultura coreana: il grandissimo Kim Dong-ho.

    Ecco, raccontata in poche righe, la quindicesima edizione del FEFF. Ecco la finestra che si spalancherà, dal 19 al 27 aprile prossimi, sul lontano est. Ecco un festival che riconfermerà, con orgoglio, quello che ha sempre voluto essere: una festa del cinema. Un punto d’osservazione esclusivo e strategico sulle tendenze, gli stili e il mercato d’Oriente, nato per impavido azzardo nel 1998 (contando il numero zero della rassegna Hong Kong Film) e diventato una delle più massicce roccaforti occidentali del cinema asiatico.

    Hong Kong, Cina, Giappone, Corea del Sud, Thailandia, Malesia, Indonesia, Filippine, Singapore, Taiwan. Lasciando parlare i numeri: 2 anteprime mondiali, 15 anteprime internazionali, 19 anteprime europee. Ed entrare al Teatro Nuovo “Giovanni da Udine” (con i suoi 1.200 posti sempre gremiti) sarà, ancora una volta, come frequentare una sala di Tokyo, Manila o Seul.

    Vivere e morire… a Berlino

    Berlino, anni Duemila. Una città moderna, internazionale, ma imbevuta ancora nei colori di un passato indelebile, un passato da capitale divisa, sede di sottotrame spionistiche, di interrogatori, di sparatorie, di prigionie. Una capitale sotto sorveglianza che trasuda le atmosfere glaciali della Grande Guerra. Seppure il muro non ci sia più, quei 46 chilometri che dividevano le due Germanie e i cuori dei tedeschi, sembrano ora essersi trasformati nel confine che divide la Corea del Sud e la Corea del Nord

    Nella capitale tedesca, un agente speciale della Corea del Nord sta negoziando un traffico d’armi con un’organizzazione terrorista araba. A breve anche la CIA, il Mossad e soprattutto la Corea del Sud saranno implicati nella trama. E inizia una fuga fino all’ultimo respiro!

    Berlino è la città sfondo del grande ritorno di Ryoo Seung-wan – maestro coreano dell’action, applaudito a Udine con The Unjus nel 2010 – e The Berlin File è il titolo del suo ultimo film che aprirà, in anteprima europea, la quindicesima edizione del FEFF.

     

    Volare a Pyongyang

    Se la Berlino di oggi è noir, la vita al di là del 38° parallelo, nella capitale nordcoreana raccontata da Comrade Kim Goes Flying, sembra essere sgargiante di vita e di colori accesi. Il lavoro quotidiano alla miniera di carbone è una fabbrica di sorrisi e di canzoni popolari. La provincia è bella e gioviale ma è a Pyongyang, nella capitale, che la nostra eroina, giovane minatrice, coltiverà il suo sogno: diventare trapezista. Inizierà così la sua ascesa, dal carbone della terra al cielo del trapezio. Volando…

    Rarissimo esempio di coproduzione internazionale per un’industria, come quella nordcoreana, controllata dallo Stato, il film è un’esperienza visiva senza precedenti. Nel suo essere una favola (una favola che nulla, forse, ha a che fare con la vita reale del Paese), è indubbiamente un’altra prova di dialogo (così come lo è The Berlin File) tra le Coree e il resto del Mondo…

    Un popolo diviso

    Quello coreano è l’ultimo popolo diviso. Da più di mezzo secolo pronto alla guerra, con le sirene degli allarmi aerei che suonano – per prova, sì, ma suonano – due volte l’anno, e tutti devono trovare rifugio (come si vede anche in Castaway on the Moon).

    Una situazione di allerta continua, di democrazia sospesa, anche al Sud. National Security racconta la storia vera di Kim Geun-tae, noto attivista democratico, ed è il resoconto minuzioso del suo rapimento e delle torture subite in 22 giorni di prigionia durante il regime di Chun Doo-hwan nel 1985 (a tre anni di distanza dalle Olimpiadi di Seoul). Per i giovani coreani che ritrovano – e, in molti casi, apprendono soltanto ora – il significato di quel sacrificio, consumato in nome della democrazia contro la dittatura militare, il film, uscito nelle sale lo scorso novembre, ha lasciato un segno difficile da dimenticare.

    Potente, estremo, disturbante, National Security è scomodo soprattutto nella scelta frontale di mettere in scena i particolari delle tecniche di tortura. È un’opera di denuncia e, allo stesso tempo, una cronaca diretta, senza compromessi, senza pudori del limite assoluto a cui il sadismo e la volontà di esternazione del potere possono condurre un uomo, con determinazione, a produrre dolore fisico su un altro uomo.

    Presentato in anteprima mondiale al Festival di Busan lo scorso ottobre, davanti a un pubblico commosso e straziato, il film di Chung Ji-young usciva nelle sale a un mese di distanza dalle elezioni politiche che hanno poi decretato la vittoria alla guida del paese della signora Park Geun-hye, figlia del Generale Park Chung-hee, presidente/dittatore della Corea nel periodo precedente a quello raccontato dal film: dal 1963 al 1979.

    Nel suo discorso di insediamento la First Lady coreana ha parlato di una nuova era per la Corea, un’era fondata su tre elementi: la ripresa economica, la felicità dei cittadini e la rinascita della cultura. Forse i fantasmi dei precedenti regimi sono definitivamente finiti… ma solo la memoria, come sembra dire il film, permette di superare e, soprattutto, perdonare.

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