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    NICE: L’Italia in Russia con Valeria Golino

    Fino al 18 aprile, a Mosca e San Pietroburgo si parlerà italiano, grazie alla sedicesima edizione del N.I.C.E. RUSSIA 2013. 3 sale, 7 film in concorso, 3 eventi speciali e 5 premi per presentare il cinema italiano emergente scelto da New Italian Cinema Events in una manifestazione diretta da Viviana del Bianco e Grazia Santini.

    Una figura di spicco a far da madrina, quella di Valeria Golino, assediata dai fotografi nella sua prima apparizione moscovita, che è presente anche in qualità di regista, e alla quale N.I.C.E. dedica un tributo con la proiezione del suo cortometraggio ‘Armandino e il Madre’ (2010), seguito dal trailer del suo primo lungometraggio Miele (2012), alla presenza di Jasmine Trinca, protagonista della pellicola.

    Oltre a loro è prevista la presenza dei registi Ruggero Dipaola, Toni D’Angelo, Marco Bonfanti, Andrea Segre, Saverio Di Biagio e Rocco Marra, fotografo di scena del film di Toni D’Angelo, Anna Godano, produttrice del film di Marco Bonfanti e  Viola Prestieri, produttrice di “Miele”.

    Ma non sono poche le importanti novità fra le anteprime selezionate per un pubblico russo in costante aumento e che potrà continuare a vedere i film N.I.C.E. durante tutto il 2013 in festival organizzati in varie città russe in collaborazione con gli Istituti Italiani di Cultura.

    A partire dall’istallazione fotografica di città d’arte toscane e proiettati trailer realizzati da Fondazione Sistema Toscana-Mediateca Regionale e da Toscana Promozione per la promozione del territorio, realizzata per la serata inaugurale a Mosca

    Per proseguire poi con l’omaggio a Marcello Mastroianni, con la proiezione del documentario “Ritratto di uno sconosciuto – Marcellus Dominicus Vincentius” (2006) di Roberto Meddi e Gioia Magrini: le due figlie del grande attore, la “francesina” – come il padre chiamava affettuosamente Chiara – e Barbara si ritrovano nella casa di Torre di Lucca e, sfogliando l’album di famiglia, ricordano il padre e tratti della sua personalità sconosciuta al pubblico.

    “Il comandante e la cicogna” (2012) di Silvio Soldini aprirà le serate inaugurali del festival con un ritratto scanzonato, sebbene non privo di accenti amari, dell’Italia contemporanea attraverso il dipanarsi delle vite dei protagonisti, bene interpretati dai beniamini del pubblico non solo italiano, Valerio Mastandrea, Claudia Gerini, Alba Rohrwacher, Luca Zingaretti, che danno vita ad un carosello di episodi divertenti e graffianti.

    Andrea Segre con “Io sono Li” (2011), vincitore di N.I.C.E. USA 2012, “I più grandi di tutti” (2012), di Carlo Virzì, “Appartamento ad Atene” (2011), opera prima di Ruggero Dipaola che indaga l’incarnazione del male e la relazione che intrattiene con l’uomo, la riuscita commedia di Saverio di Biagio,  “Qualche Nuvola” (2011), “Breve storia di lunghi tradimenti” (2012) di Davide Marengo, “L’innocenza di Clara” (2012) di  Toni D’Angelo e la docu-fiction di Marco Bonfanti, “L’ultimo Pastore” (2012), presentato con successo a gennaio anche al Sundance Film Festival sono i Magnifici 7 film selezionati e in programma.

    Tra loro ci saranno i prescelti per l’assegnazione dei seguenti premi:

    Premio del Pubblico al Miglior Film in concorso (tra il pubblico sarà estratto il vincitore di un omaggio offerto da Angela Caputi).

    Alexander Gimelfarb Award A Mosca, una giuria formata da critici cinematografici russi e Naum Kleiman, direttore del Museo Kino, sceglierà il vincitore del premio Alexander Gimelfarb Award, consistente in una borsa di studio del valore di 1.000,00 euro intitolata ad Alexander Gimelfarb, scienziato in biologia e genetica nato a San Pietroburgo e sostenitore del grande schermo, tra gli studenti del VGIK – Istituto Statale pan-russo di cinematografia (s.a. Gerasimov).

    Premio Bozzetto D’Oro Savio Firmino alla Migliore Scenografia e Arredo Cinematografico .

    Premio Alitalia tra gli spettatori che avranno dato prova di una frequente presenza alle proiezioni dei film della 16. edizione verranno estratti a sorte due biglietti con destinazione due città italiane.

    Premio  Thermae Abano Montegrotto, a due fortunati vincitori verrà offerto un soggiorno in una delle prestigiose strutture della celebre località termale.

    N.I.C.E. New Italian Cinema Events è uno degli eventi di primaria importanza nell’ambito del Ministero per i Beni e le Attività Culturali-Direzione Generale per il Cinema, Ministero Affari Esteri , Ambasciata di Mosca e (Consolati e Istituti Italiani di Cultura di Mosca e San Pietroburgo), Assessorato alla Cultura – Comune di Firenze, Regione Toscana, Fondazione Sistema Toscana-Mediateca Regionale, Museo del Cinema di Mosca e San Pietroburgo e, nella persona di Naum Kleiman, e AGIS Toscana.

    Valeria Golino a Mosca

    Valeria Golino a Mosca

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    Cinema scandinavo al Nordic 2013

    Dopo il grande successo di pubblico, critica e stampa dell’anno scorso, Roma ospita da giovedì 11 a domenica 14 aprile presso la Casa del Cinema, la seconda edizione del Nordic Film Fest, la rassegna che racchiude e promuove la cinematografia di Danimarca, Finlandia, Islanda, Norvegia e Svezia attraverso la programmazione di film in anteprima, o inediti in Italia, e documentari in lingua originale con sottotitoli in italiano.
    Nel cinema dei Paesi Nordici, negli ultimi anni si è assistito all’emergere di una generazione di nuovi autori che hanno conquistato uno spazio significativo nel panorama della cinematografia mondiale. Una notevole varietà artistica che merita di essere conosciuta e approfondita dal pubblico italiano, obiettivo che è alla base del progetto del Nordic Film Fest.
    Quattro giorni di proiezioni, anteprime, mostre, conferenze, incontri con attori, registi e produttori, che saranno inaugurati da Road North di Mika Kaurismäki, ospite del festival per presentare il rapporto tra un padre e un figlio che si ritrovano dopo tanti anni e durante un viaggio verso il nord si aiutano a vicenda nel cercare di capire e risolvere i loro fallimenti.
    Kaurismäki, oltre ad introdurre il suo film nella serata inaugurale del NFF 2013 giovedì 11 alle ore 18.30 (proiezione ad inviti) e alle 21.30 (proiezione aperta al pubblico), sarà presente anche sabato 13 alle ore 15.00 alla proiezione in omaggio a Greta Garbo e presenterà il suo nuovo progetto cinematografico The Girl King con la protagonista del film.
    Altri ospiti attesi saranno: il regista svedese Marcus Lindeen, presente alla proiezione del suo docu-film Regretters, l’attrice Malin Buska, nominata “Rising Star” allo Stockholm International Film Festival 2011 per il suo debutto, che introdurrà il film Happy End, il norvegese Petter Næss che introdurrà il suo film Into The White, pellicola contro la guerra che ha richiamato l’attenzione della stampa internazionale essendo il primo film dopo Harry Potter della star Rupert Grint.

    Madrina della manifestazione, l’attrice e produttrice italo-finlandese Anna Falchi

    Complessivamente Nordic Film Fest presenterà 15 film, di cui 2 documentari: film omaggio a Greta Garbo, Danimarca 2 film, Finlandia 3 film, Islanda 1 film, Norvegia 3 film Svezia 5 film, di cui 2 documentari. Per un totale di circa 30 ore di grande cinema nordico.

    Le proiezioni inizieranno alle ore 15.00 per concludersi alle ore 24.00 e saranno tutte ad ingresso libero fino ad esaurimento posti.
    Per ogni informazioni, http://www.nordicfilmfestroma.com/

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    Walter Hill, la storia sul Red Carpet

    Un privilegio trovarsi davanti a Walter Hill, un regista che ha fatto la storia di un genere… Con lui parliamo del nuovo Bullet to the Head, di Sylvester Stallone e delle nuove generazioni…

    Un film che rimanda a classici del genere, era così che lo volevate con Sylvester Stallone?
    Bè, all’inizio lui mi ha mandato lo script, ci avevano lavorato per circa due anni, su varie versioni, e con un altro regista, con il quale poi non hanno continuato. Per questo mi hanno chiamato. Sly mi ha mostrato un paio di stesure della storia e mi ha chiesto cosa ne pensassi: c’erano idee valide, ma anche molte cose che non mi pareva funzionassero. Gli ho spiegato come secondo me andasse realizzato e ci siamo trovati molto bene a fare il film; lui è molto professionale e ha una forte personalità. Io da parte mia sono una persona molto dolce, ma di base entrambi cercavamo di fare lo stesso film, avevamo gli stessi obiettivi e idee simili. Per esempio su certe sequenze di azione, sullo humor, sull’ironia che attraversa il film. Un omaggio ‘retrò’ ai film degli anni 70, cose che oggi, vedendole, sono più chiare di quando ci stavamo lavorando

    Da dove viene la citazione di Jerry Maguire?
    Ricordo perfettamente da chi è venuta ogni singola battuta… Questa è stata una idea dello sceneggiatura, di Alessandro.

    E il nome del personaggio, Bobo? Nella Graphic Novel i nomi erano diversi…
    Questo nasce da una collaborazione tra me e Sly. Lui voleva essere Bobo; io volevo Jimmy, dove essere un diminutivo del suo cognome, qualcosa come Boborelli. E’ molto infantile ma è così che ti guadagni da vivere…

    Questo film sembra recuperare il suo vecchio progetto di un remake di The Killer di John Woo, alcune tracce sono rimaste…
    La gente spesso mi chiedeva come mi senta per il fatto che John Woo fa film simili ai miei, oggi altri mi chiedono perché io faccia film come quelli di John Woo. John è una persona molto divertente, e abbiamo sicuramente delle somiglianze, ma non credo ci sia stata questa influenza, di certo non voluta o cosciente.
    L’idea viene essenzialmente dalla graphic novel, come molto del film; forse dovremmo chiedere all’autore di quella, a Alexi. Magari a chi si sia ispirato lui, anche se lui afferma di esser stato influenzato solo da me.

    Un film che gioca molto sul ‘Old Style’, anche per differenziarsi da tanti giovani registi che stanno rileggendo il genere?
    Credo molto nella brevità di quelle che sono le dichiarazioni artistiche. Io mi lamento molto dei film troppo lunghi, con ripetizioni infinite. Mentre invece bisogna sottolineare quello che vuoi dire e poi andare avanti.
    La sequenza della tortura di Slater doveva essere molto drammatica, non tanto sulla sua uccisione quanto sul confronto tra i due personaggi, tra i loro codici di comportamento, che però non si risolve perché vengono interrotti… Il trucco è tutto lì.
    Ci sono nuovi registi, ma non so cosa dirne. Noi abbiamo un tempo limitato e non sappiamo quanto sia, per questo forse mi interessa di più guardare agli antichi maestri, come Anthony Mann, che i giovani registi, dei quali non saprei dire molto. Probabilmente perché non sono più giovane. Sicuramente è un lavoro duro il raccontare storie, passiamo molto tempo lavorando su aspetti tecnici ma in definitiva tutto riguarda la testa e il cuore dei personaggi.

    Mattia Pasquini

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    Sly, lo Stallone italiano is back!

    Sono stato a Cinecittà mentre ero a Roma; qui avete un museo a cielo aperto, dovete cercare di far sopravvivere questo luogo…”, così si presenta Sylvester Stallone, il popolare Sly, al Festival di Roma per accompagnare

    Roma non è stata solo Festival per lei, Cinecittà, Tor Bella Monaca… che impressione le han fatto le zone di Roma meno centrali o pubblicizzate?
    Andando al teatro di Tor Bella Monaca ho provato delle sensazioni che mi hanno ricordato come ero tanti anni fa, quando vivevo in un quartiere come quello; capisco cosa possano provare i giovani che crescono in zone come queste, e a loro ho detto di non aver paura del fallimento, che sicuramente falliranno, ma ogni volta saranno sempre più saggi, e colpo su colpo riusciranno a raggiungere il successo.
    Cinecittà è stato una scoperta; avete davvero un museo a cielo aperto lì, dovete cercare di far sopravvivere questo luogo…

    Può essere pesante il peso di essere un riferimento per più di una generazione?
    Si, in qualche modo sì, ma è un peso ‘buono’. Ma quello che succede è strano, stavolta abbiamo tentato una trasniszione tra il duro Rambo e l’ottimista Rocky, abbiamo preso i due personaggi e li abbiamo combinati in Bobo e credo sia stata un’ottima transizione. Chissà che non possa essere un nuovo modello per l’attuale generazione…

    Rocky forse no, ma Rambo sembra essere rimasto in sospeso, la conclusione resta aperta?
    Rocky è un atleta, è finito, ormai ha raggiunto il massimo che poteva raggiungere. E ne sono soddisfatto. Il motivo per cui non voglio chiudere con Rambo è lo stesso per cui non vado in pensione. Non posso. Non posso smettere. Lui ha sempre mentito a se stesso, combatterebbe a prescindere. Ha bisogno della guerra e non ha una casa cui tornare. Un guerriero cerca sempre di morire in maniera gloriosa. C’è una buona idea su cui sto lavorando e potrebbe anche concretizzarsi, se il mio fisico reggerà… Rambo che combatte l’artrite! o magari tornare come ragazza, Rambolina. In fondo oggi la società è molto più permissiva…

    C’è stato un incontro che le ha cambiato la vita o è stato determinante per la sua carriera?
    Quando sono arrivato a Hollywood per la prima volta, pensavo che tutti mi e si amassero. Poi, dopo aver fatto Rocky e avendo visto quanto stava incassando, sono andato a chiedere i soldi che mi dovevano visto che non ero stato ancora pagato. ‘Torna a lavorare’ mi disse il capo degli Studios, ‘non ti paghiamo perché non ci importa niente di te; lo faremo quando ci andrà’. Lì ho capito che si trattava di un business, non di una storia d’amore.
    Ma lo ringraziai, perché mi insegnò che non si trattava di una fabbrica felice, ma di un posto che mette al primo posto l’ego delle persone e dove puoi contare solo su te stesso. La lezione che imparai, mi ha poi salvato.

    E l’incontro con Allen, che ha determinato l’inizio della sua carriera, come fu?
    Davvero incontrarlo mi ha cambiato la vita. Io all’epoca non ero davvero nessuno e lui stava girando Bananas, gli serviva un cattivo. Con un amico siamo andati da lui per farci ingaggiare, ma ricordo che era molto nervoso sul set, quando ci ha visto si è girato e ha detto al suo aiuto che non facevamo paura. Io avevo già mollato, ma il mio amico mi portò in una farmacia per comprare della vaselina, ci siamo sporcati la faccia e siamo tornati da Allen conciati così. Quando gli abbiamo bussato su una spalla e ringhiato se non gli facessimo paura, era talmente nervoso che ci ha ingaggiati subito. E’ stato indimenticabile!

    Da attore, come gestisce i periodi ‘morti’ lontani dal set?
    Me lo chiedo sempre anche io, cosa fanno gli attori che girano un film ogni uno, due o cinque anni? Chi cucina, chi dipinge o gioca col cane. In genreale gli attori recitano, perché devi mantenere attiva la macchina. Personalmente io inseguo le figlie per casa. Ed è paradossale, visto che ho passato tutta la vita come Rambo o Rocky e poi ho avuto tre figlie, e a casa ho – oltre a mia moglie – due domestiche e 5 cani, tutte femmine! Ce n’è da tenermi impegnato…

    Mattia Pasquini

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    Mr. & Mrs. Hitchcock secondo Gervasi

    Il regista inglese al Noir in Festival spiega il suo personalissimo (e fantasioso) biopic sul Maestro del brivido…

    Come è arrivato a una rilettura così particolare di un momento chiave nella vita di un regista tanto noto?
    Dopo aver fatto il musicista, il giornalista, lo sceneggiatore e  il documentarista, questo è il primo film puramente narrativo per me e, dopo aver lavorato a Holywood come scrittore per molti anni, è stata una possibilità unica. Alla quale non pensavo di arrivare. Quando la produzione ha iniziato a cercare un regista, ho voluto provare proprio perché non avevo nulla da perdere. Eramo 26 o 27, ma il produttore aveva amato molto il mio documentario ‘Anvil’ e ho avuto una chance.

    E come li hai convinti?
    Ho detto loro cosa amassi del film, soprattutto il fatto che a 60 anni Hitchcock avesse voglia di rischiare. Era un artista che sentiva di star diventando irrilevante, di stare per morire, e voleva ancora sorprendere il pubblico e se stesso. Un’idea che mi piaceva molto, anche perché io stesso ho rischiato i miei stessi soldi per Anvil; inoltre c’era la storia tra lui e Alma che davvero mi interessava più di ogni altra cosa.
    Il raporto tra loro è stata una vera rivelazione, per la scoperta di quanto la moglie sia stata una grande sostegno per lui e la sua carriera.
    I grandi artisti son quelli capaci di ascoltare, non possono essere persone impermeabili. E questo aumenta il loro genio, perché il cinema è un’arte di collaborazione, di gruppo.

    Anche lei ha condiviso l’esperienza con due grandi attori…
    Quando mi hanno detto che avrei potuto avere Hopkins l’ho incontrato in un risotrante italiano, e abbiamo parlato molto bevendo chianti. Lui mi ha detto di aver visto almeno tre volte il mio documentario e che gli era piaciuto. Ho pensato in quel momento che avremmo potuto finire per lavorare insieme. Lì e quando poi mi ha detto: ‘Sei pazzo, ma mi piace, proviamo’.

    E con Helen Mirren invece?
    Per avere lei abbiamo dovuto aspettare di più, ma alla Fox Searchlight erano entusiasti. Finalmente ad aprile siamo riusciti a iniziare le riprese ed è stato importante averla come coprotagonista proprio perché doveva rendere la forte personalità di una grande donna.
    E’ chiaro che poter dirigere due attori del genere, al primo film, può mettere in soggezione. Mi sono chiesto più volte cosa avrei fatto, poi quando abbiamo iniziato, sin dalla prima lettura, li ho ascoltati… Ho fatto leggere loro la scena, una volta, due, tre, ho preso appunti. Poi dopo la quarta volta hanno iniziato a trovare il giusto tono e l’interazione tra loro, il ruolo ha iniziato a entrare in loro, grazie anche a dei dettagli fisici.
    Per me è stata una esperienza unica, da regista, ma anche come membro del pubblico, in prima fila davanti alla performance di due grandi attori di teatro.
    Per esempio per la scena in camera da letto volevo creare una atmosfera teatrale, alla Lady Macbeth, volevo essere vicino a lei.
    Lasciare fare ai grandi attori il loro mestiere, funziona. Possono non essere perffeti a volte, ma è sempre una esperienza straordinaria. Mi hanno sempre sostenuto, davanti alla troupe, e dato anche dei suggerimento o aiutato nelle riprese e nella realizzazione. Inoltre erano molto dolci e carini con tutta la troupe; erano come due bambini che si sono divertiti a fare questo film.

    E oltre agli attori? Avete ricevuto il sostegno di altri, magari delle persone che avevano lavorato con lui?
    Si, il supervisor della sceneggiatura Marta Schlomm e l’aiuto regista Greem. Loro hanno visto il film e hanno capito il senso dell’operazione. Marta è stata anche sul set, e ha detto che avevamo rispettato lo spirito di Hitchcok e certe sue durezze sul lavoro.
    Si tende a dimenticare che lui a lungo era consderato come un cineasta di genere, almeno finché Truffaut non l’ha intervistato. Un filmmaker popolare, regista di film oggi considerati dei capolavori… Ma raramente di tiene conto del suo senso dell’umorismo. Lui faceva continuamente battute. Anche sul set di Psycho, dove si racconta che Janet Leigh ridesse alle lacrime. La moglie l’ha sempre descritto come l’uomo più divertente che avesse mai conosciuto, le faceva scherzi tutto il tempo. Volevamo ricordare questi altri aspetti al pubblico, che spesso l’ha relegato al personaggio burbero e serioso creato dalla serie tv. D’altronde, nel bene e nel male, è stato il primo regista a diventare una star.

    A parte questo, però, avete romanzato molto i fatti reali…
    Assolutamente si. Il film è tutto una fantasia. Abbiamo degli attori che recitano un ruolo. Non abbiamo fatto un documentario, ce ne erano già, come c’erano già dei libri, come quello di Rebello. Un esempio è nel dialogo con Ed Gein, tutte scene di fantasia. Hitchcock è una esplorazione drammatica di quel che poteva essere nella sua testa. Abbiamo preso quello che sapevamo, ma l’abbiamo trasformato. Io credo che si possa essere ugualmente fedeli alla storia, che si basa comunque su elementi storici. Sul rischio produttivo soprattutto; ma possiamo anche immaginare come possa essere stato il suo rapporto con Alma. Il fatto di aver adombrato un possibile affair tra lei e Whit, il suo amico col quale avevano entrambi collaborato, non ci ha portato a porci il problema se ci fosse stata davvero una relazione tra loro. In una biografia di Hitchcock è lui stesso a parlare, in dettaglio, della possibile relazione tra i due, ma non abbiamo voluto approfondire questo aspetto, pur usandolo nella dinamica del film…

    E ora, cosa ha in programma?
    Il prossimo film sarà probabilmente Headhunters, un remake del film che proprio al Noir di Courmayeur ha vinto il Leone Nero 2011. E se avete pensato che quello fosse un film disturbato, aspettate il mio…

    Mattia Pasquini

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    Nicolas Vaporidis e Massimo Ghini fanno Outing

    Nicolas Vaporidis e Massimo Ghini due sono tra i principali interpreti di Outing, film dell’esordiente Matteo Vicino; un racconto sulla nostra Italia, tra fantasia e realtà. E sogno…

    Siete tra i nomi principali di un film diretto da un esordiente, è ancora una scommessa?
    MASSIMO GHINI: Non ci ho pensato troppo. Mi hanno chiamato mentre stavo facendo Il vizietto, per cui ero già vestito da donna… Poi, la casualità ha voluto che lo scorso sia stato un anno che ho attraversato facendo un certo tipo di personaggi; Come quelli di ‘Uomini, uomini, uomini’, ancora proiettato in tutto il mondo come film di culto di quegli anni, accettato e sostenuto dal mondo omosessuale. Stante che nessuno deve giustificare niente, è bello poter dire di esser riusciti a essere credibili pur essendo molto diversi.
    Anche se a volte si finisce per creare fenomeni imprevisti, come mi accadde anni fa ne La bella vita. Quando scrivemmo il personaggio di Jerry Fumo, che interpretavo, noi volevamo rappresentare lo schifo di un uomo senza morale, un residuo degli anni ’80. In tutta Italia le tv private continuavano a chiamarmi e a dirmi ‘sei un mito’, ma quella rappresentazione doveva fare schifo, era un personaggio deteriore! Per tornare a oggi, questa rappresentazione deve portare a una risata più che a creare o far sentire questo tipo di comunione.

    Cipullo (uno dei produttori, ndr) ci raccontava di non aver potuto attingere ai fondi della Film Commission pugliese per un problema di tempi e di ‘richieste’, che ne pensi?
    M.G.: Sicuramente ne sà di più lui, ma credo che adesso il meccanismo della regione Puglia sia persino cambiato. E spero sulla base di elementi di sensibilità. Forse è la cosa giusta bypassare l’idea di una commissione che debba emettere un giudzio di merito. Il nostro è un paese di commissioni, ma è l’idea vincente per allargare questo sistema e farlo diventare produttivo, aumentando anche l’impiego sul territorio. Anche le commissioni devono fare un salto in avanti, passando a un iter quasi automatico di stanziamento e abbandonando istituti giudicanti.

    Nicolas, ora che hai superato i 30 anni. E’ un salto più grande di avere un regista esordiente a dirigerti o di parlare di omosessualità?
    NICOLAS VAPORIDIS: Speriamo piuttosto di averne parlato senza offendere nessuno, né il mondo gay, né i pugliesi. Il nostro obietivo principale era di rientrare in uno schema di commedia, senza pretese autoriali o di altra natura, ma solo per veicolare attraverso la risata i temi di cui si parla – lobby, finanziamenti, ecc. – e dell’inseguire i propri sogni, o cosa si sia disposti a fare per realizzarli. Magari anche trovando un modo per superare condizionamenti e compromessi, anche se non superando i limiti della legalità. E’ stato un modo per raccontare una Italia che ci va stretta. Molto. Tutti noi vorremmo restare qui, vorremmo che si andasse verso un miglioramento. Tutti insieme. Nel nostro microcosmo, del cinema, facciamo dei tentativi. Anche sbagliando. Ma credo che sia bene che tutti, come Paese e come generazione, proviamo a migliorarci sfruttando le eccellenze che abbiamo.

    In questo senso, forse, il vostro impegno di attori in questo caso si sposava particolarmente con quello personale, anche politico…
    M.G.: Più che una scelta politica, qui è l’argometo di per sé che ti porta a fare certi ragionamenti nella vita… Personalmente mi aveva affascinato l’idea di trattare questo argomento in maniera politicamente scorretta. Speriamo di esserci riusciti…
    N.V.: Io non sono politicamente attivo, non come Massimo almeno; faccio piuttosto polemica sui social network, ma più per un generico stimolo generazionale di miglioramento. Contro un tacito consenso e la non ribellione. D’altronde l’Italia offre non pochi spunti per ribellarsi.
    Il film mi piaceva anche per il mio personaggio, al limite tra stenti e furbizia, che truffa perché costretto, a dire suo, ma truffa. Non è un atteggiamento che ami, ma mi piaceva mostrare una parte della nostra generazione costretta a scendere a compromessi con i poteri, o ad accettare di non farcela. Quella che raccontiamo è una Italia immaginaria, almeno per ora, visto che bandi come questi non esistono. Abbiamo pensato a come avrebbero potuto comportarsi in un caso del genere. Loro il talento ce l’hanno, vogliono solo una occasione, e la creano fingendo, accettano di farlo per non perdere tutto. Ed è difficile quando hai una sola possibilità. In un Paese di furbi c’è sempre quello onesto che paga e fa la figura dello stupido. Noi invece volevamo raccontare che l’onestà paga, anche se è un sottotesto molto ‘sotto’ in una commedia che vuole soprattutto far ridere.

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  • Il grande e potente Oz: Lasciate che i bambini…

    Il Favoloso Mago di Oz, raccontato da se medesimo! Il grande e potente Oz offre uno sguardo originale e un taglio nuovo per una storia senza tempo…
    VOTO: 3

    Non è facile guardare questo ‘Grande e Potente Oz’ pensando al classico del 1939 di Victor Fleming, per tanti motivi. Eppure tutto – dalla promozione a molti riferimenti interni – continua a richiamarlo, costantemente, ostentando un legame che risulta comportare una fatica inutile, per chi lo ha realizzato e per il pubblico.
    L’incontro con un leone che scappa spaventato, i riferimenti (e di più non si poteva, per motivi legali) alla realizzazione di spaventapasseri e di mirabilie meccaniche (in latta, si intende…), come anche gli incontri con i nuovi partner e la loro tipologia sono ben più forti delle necessarie ed inevitabili (e corrette) presentazioni di Città di Smeraldo simil Metropolis, Strade di mattoni gialli, scimmie volanti, Munchkins, ma se da una parte costituiscono un gioco divertente – siamo in film di Raimi! – dall’altra rischiano di condizionare l’osservatore innamorato del testo originario di L. Frank Baum, e creare aspettative.
    Come fu per la Alice di Burton (seppur poi realizzata con meno passione e successo), anche qui le radici sono una scusa, molto più che un omaggio, e quello che si sviluppa (come non fu per quel deludente ‘Paese delle Meraviglie’) è in tutto e per tutto un film del regista delle saghe di Spider-man e Evil Dead.
    Ed è evidente sin (e soprattutto) dall’inizio, simmetrico del vecchio ‘Wizard of Oz’ e in un bianco e nero ‘Kansas’, nel quale troviamo forse le sorprese più divertenti grazie a uno sfruttamento ‘libero’ di un finto formato 4:3. Non vi anticipiamo nulla, ma ricordate che Raimi tende a non prendersi troppo sul serio e a non farsi imprigionare dalle forme, che ama colorare del suo humor dark e ricoprire di ironia.
    Purtroppo, Raimi a parte, al film manca quella verve che avrebbe potuto far perdonare certa prevedibilità, lo sviluppo – alternativamente – si dilunga e si concentra, ma soprattutto nella parte centrale rischia di annoiare, anche nello stesso sfarzo delle scenografie digitali, splendide come sfondi scrivania ma non sufficenti a sostenere un carico narrativo.
    Anche il cast, sconta la mancanza di spalle come furono i tre compagni di Dorothy e finisce per pesare sul solo Franco, un po’ monotòno, e le tre streghe, tra le quali spicca soprattutto la Kunis.
    Il pubblico più adulto potrà giocare con le citazioni (accennate e non, anche poco note al pubblico italico, come quella del musical Wicked di Gregory Maguire), ma buonismo e caratterizzazioni infantili sembrerebbero definire questo ‘Oz’ come un prodotto per il pubblico più giovane,
    allettato costantemente e nel mirino della produzione. A meno di non aver frainteso la lettura di una versione ‘child’ del Signore degli Anelli – soprattutto per l’attacco delle Guardie Strizzole-Uruk Hai comandato dalla torre da Theodora-Saruman – e certe scelte di 3D, troppo spesso piuttosto invadente e ad effetto. Peccato, perché in generale invece risulta ben calibrato e utile a dare profondità al fantastico mondo raccontato.
    d’altronde anche il libro di Baum era letteratura per l’infanzia, prima di tutto.

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    Federico Zampaglione, ricomincio da Tulpa

    Al terzo film Federico Zampaglione conquista la menzione speciale del Noir in Festival di Courmayeur e parla di Tulpa, omaggio al cinema che ama.

    Sei riuscito a mostrare una parte di Roma, l’Eur, in maniera decisamente inusuale e molto affascinante. Da dove viene?
    Era una vita che cercavo di fare un giallo all’Eur; è un posto sospeso nel tempo, ha un po’ un sapore anni ’70 che è rimasto intatto nelle sue geometrie. Quasi metafisiche.Sono uffici pieni di gente che lavora, uffici, un aspetto lontano da quello dalla Roma che vediamo nei film, quella di Prati, del Colosseo. All’Eur invece ci sono grandi spazi. E di sera diventa una zona molto torbida. C’è poca gente in giro per strada. C’è una desolazione inquietante, ti dà l’impressione che ci sia una vita sotterranea. Anche gli ambienti sono rimasti a quell’epoca. Sembra una scenografia di quel tempo. In qualche modo sentivo che il fatto di realizzarlo lì avrebbe avuto un gusto vintage, visivamente mi attirava molto.

    Un equilibrio tra passato e moderno costante nel film…
    Ho usato delle tecniche di regia che sono ovviamente molto diverse da quelle che si usavano negli anni 70. Qui c’è molta macchina a mano per esempio; un linguaggio cinematrogafico più sporco e frenetico. Allora semmai le ‘sporcature’ erano magari più la zoommate, ma per il resto erano movimenti lenti. Io ho cercato di fare un film più dinamico invece. Soprattutto grazie ad alcune tecniche degli effetti speciali mai usate prima. Una è quella, creata da due giovani molto bravi, Leonardo Cruciano e Bruno Albi Marini, che è un mix tra analogico e digitale e che abbiamo usato quando il coltello del killer perfora dal basso la testa dell’uomo, all’inizio del film. Abbiamo messo dei marker verdi all’interno della bocca e poi abbiamo sincronizzato il movimento del coltello che veniva dal basso con la ricostruzione della bocca. Ci abbiamo messo sei mesi per sperimentare questi effetti, ma la verosimiglianza data da queste tecniche è davvero unica.

    Come mai Claudia?
    Senza di lei il film non esisterebbe. Da subito avevo detto a Dardano Sacchetti che avrei voluto fare un giallo pieno di omicidi e di elementi erotici forti e con claudia come ‘Scream Queen’. La sua fisionomia me la ricordava. Ma tutto il film è in mano alle donne, gli uomini si muovono come pedine. Intorno a lei ho costruito il film giorno per giorno.
    Ora non so se rifarei un gialo, è il genere più difficile di tutti secondo me. L’horror è una cazzata al confronto, basta stabilire delle cordinate; il giallo invece è pieno di atmosfere che cambiano sempre.

    Avete lavorato molto prima, quindi, ho siete andati cambiando via via?
    Era tutto in sceneggiatura. Poi semmai il difficile è miscelare gli elementi e trovare il giusto equilibrio. Ma siamo partiti dall’idea che fosse un film anche un po’ pazzo, come era caratteristico negli anni 70.
    A me il thriller non piace, mi annoia quando ci sono troppe indagini o vedo scene del delitto con il commissario che si dilunga. Cambio canale. Anche perché non mi piace vedere gli omicidi quando sono ormai successi. Arrivi sulla scena del delitto a fatto avvenuto, invece a me piace vedere svilupparsi il rapporto tra vittima e carnefice. Certo, anche qui devi stare al gioco.

    C’è qualcosa di ‘fisicamente’ tuo nel film, per esempio le mani guantate del killer?
    No, ci avevo pensato, ma in quella scena ero io l’operatore di macchina. Per cui non potevo farlo. Avevo provato a farlo, mettendo un altro a fare l’operatore, ma non ce la facevo. Mi era presa una crisi isterica ed era tutto bloccato. Era come dire a qualcuno che suona al posto tuo che nota fare con la chitarra. E così me lo sono girato io…

    E ora?
    Penso di tornare a dedicarmi alla musica per un po’. Tutto questo stress e questi delitti mi hanno danneggiato il cervello… per inventare tutti questi omicidi, a un certo punto anche sotto l’ombrellone venivo aggredito da immagini allucinanti. Spero per un po’ che mi vengano in mente solo note e accordi.

    Un modo per scappare o porterai un po’ di questa esperienza anche nella musica?
    In effetti ci sarà una canzone dei Tiromancino che và un po’ sull’horror. Vediamo che cosa succede.
    Fare regista è veramente un mestiere maledetto. Lo faccio solo perché sono un appassionato del genere, altrimenti non lo farei MAI! Ogni volta che sto sul set mi chiedo chi me l’abbia fatto fare. Finisce che ti odiano tutti. Anche perché quando lavoro sono ossessionato, dico sempre le stesse cose.
    La musica è tutta un’altra cosa, stai per cavoli tuoi e vai avanti fino a sera. Invece fare il regista è tremendo, vengono tutti da te a chiederti e tu devi inventarti delle risposte. Non va mai bene niente, è sempre tardi… Tremendo! Finché mi faranno fare questi film, li farò. Poi altrimenti mi darò solo alla musica.

    Tanto ossessionato da essere insopportabile? Come sei sul set e con i tuoi collaboratori?
    Si, assolutamente si. Anche perché il genere richiede di essere meticolosi e magari per una stronzata sono capace di iniziare a ulrlare come un un pazzo, come per esempio per una scena in cui mi ero incaponito su un guanto. Il problema era che quando l’assassino uccideva si scopriva un pezzettino di polso, di pelle. Io volevo vedere solo il guanto. Ho dovuto costruire un guanto che si allungava per impedire che si vedesse qualcosa. Ma, in fondo, questo è un genere per feticisti.

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