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    La truffa dei Logan: cantica del loser

    Il regista Steven Soderbergh di nuovo alle prese con una rapina del secolo. Dopo Ocean’s Eleven ecco La Truffa dei Logan con Channing Tatum, Adam Driver, Daniel Craig e Hillary Swank. In sala dal 31 maggio.

    Una banda di rapinatori, un piano infallibile o quasi e un cast di stelle. Magari meno fulgide ma sempre stelle. A 17 anni da Ocean’s Eleven Steven Soderbergh torna sulla scena del crimine con La Truffa dei Logan. Archiviati i superdivi Clooney, Pitt e Damon stavolta in ballo ci finisce una compagine più variegata ma non meno valida, da Channing Tatum all’Adam Driver di Star Wars, passando per lo 007 Daniel Craig, per Katherine Waterston, Katie Holmes e per una rediviva Hillary Swank.

    La storia è quella dei fratelli Logan: Jimmy (Tatum) ha appena perso il lavoro e visto che la sua ex moglie (Holmes) vorrebbe trasferirsi in un’altra città, rischia di vedersi portar via anche la figlia. Clyde (Driver) è un veterano della guerra in Iraq, ha un braccio prostetico e gestisce con poca fortuna il bar di famiglia. E la poca fortuna sembra il motto dei Logan che però quella fortuna decidono di andare a cercarsela per conto loro, provando a rapinare un autodromo dove si terrà un corsa di Nascar. Per portare a segno il colpo decidono di arruolare un improbabile alleato, il rapinatore incallito Joe Bang (Craig) che però è rinchiuso in galera. I due Logan dovranno quindi liberare il complice, compiere la rapina, riportare il complice in galera, il tutto sfuggendo alla legge e ai sospetti di un’agente delle Fbi (Swank).

    È strano e in qualche modo sorprendente che un regista che ha sempre amato variare i toni e le ambientazioni dei suoi film torni così sfacciatamente alle atmosfere di quello che è stato il suo maggiore successo commerciale. Ancora più strano e in qualche modo ancor più sorprendente è che La truffa dei Logan lasci, a conti fatti, un’impressione molto migliore del più blasonato Ocean’s Eleven. Forse perché la sceneggiatura di Rebecca Blunt non si accontenta di un intreccio meccanico e ben oliato e dei volti patinati dei suoi attori ma preferisce costruire dei personaggi che avrebbero, molto più di Danny Ocean e soci, le gambe per sopportare un sequel e forse due. E se i tempi della commedia alternati ai ritmi dell’azione funzionano a meraviglia in La truffa dei Logan si fa strada anche l’emozione, specie nel rapporto tenero tra Jimmy e la figlia, interpretata dall’adorabile Farrah Mackenzie.

    Certo sulla Truffa dei Logan pesa la zavorra della scarsa originalità e anche se è un netto passo avanti rispetto al più famoso precedente non saranno in pochi a trovare deludente l’accostamento specie, si diceva, se dietro la macchina da presa c’è un regista tanto eclettico. Ma è anche vero che è difficile volere male alla famiglia Logan e ai suoi divertenti e talentuosi interpreti. Ed è anche difficile trascurare un film tanto delizioso e ben confezionato in un periodo in cui il cinema commerciale spesso è così vuoto da rasentare il nulla.

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  • End of Justice – Nessuno è innocente: L’onere della prova

    Denzel Washington è un avvocato al contempo goffo e geniale in End of Justice – Nessuno è innocente, secondo film del regista Dan Gilroy. In sala dal 31 maggio.

    Un avvocato fuori dagli schemi alle prese con l’onere di una prova. E qui per prova non ci riferiamo all’elemento di un quadro indiziario ma al significato non-legale del sostantivo, prova come tribolazione, con tutto quello che ne consegue. End of Justice – Nessuno è innocente è un nome forse programmatico, e un pizzico fuorviante, specie considerato che è un titolo “tradotto” (virgolette d’obbligo) dall’originale Roman J. Israel, Esq. Eppure l’ultimo film interpretato da Denzel Washington conferma che la nomination come migliore attore agli ultimi Oscar non è arrivata solo per la logica delle quote e della difese delle minoranze, come pure qualcuno aveva ipotizzato, specie dopo l’esclusione di James Franco sulla scia di un’accusa di molestie. Washington non ha vinto ma ci ha comunque regalato un ottimo personaggio, frutto della penna del regista-sceneggiatore del film, quel Dan Gilroy che qualche anno fa stupì la platea della Festa del Cinema di Roma con Nightcrawler – Lo sciacallo, un thriller a orologeria costruito su un outsider sinistro interpretato allora da Jake Gyllenhaal.

    La formula adottata per End of Justice è simile. La sceneggiatura prende le mosse da un personaggio che è quello di Roman J. Israel (Washington), avvocato preparatissimo ma ben lontano dal canone hollywoodiano. Profondo conoscitore del codice penale Roman è infatti relegato al lavoro di consulente d’ufficio vista le sue incapacità relazionali e l’inadeguatezza al dibattito d’aula. Venuto a mancare il suo socio Roman entra nel mondo di George Pierce (Colin Farrell), epitome del successo, avvocato più impegnato a fatturare che a difendere i suoi clienti. Il dissidio interiore è evidente. Un tempo avvocato dei diritti civili Roman ci mette un po’ ad adattarsi alla nuova realtà. Ma quando sembra trovare un equilibrio contravvenendo al suo rigido codice morale l’incontro con l’attivista Maya (Carmen Ejogo) e l’interesse manifestato da George per una riforma del codice penale concepita dallo stesso Roman aprono un varco insperato nel campo di un idealismo che sembrava archiviato nel ricordo un passato più genuino e felice.

    Se in Nightcrawler Dan Gilroy voleva raccontare la parabola del male, in End of Justice a finire sotto la lente è invece il bene. Ma se per portare sullo schermo una discesa agli inferi Gilroy ha potuto concedersi il lusso di una narrazione lineare, di un crescendo cadenzato, quando è il bene a finire al centro della scena le regole della tensione drammatica impongono che la storia proceda a strappi e intoppi. E questo finisce per sottolineare il principale limite di questo film, quello di non riuscire ad essere interessante in ogni sua parte. A livello di sceneggiatura Gilroy forza alcuni passaggi per riuscire a portare il suo personaggio dove vuole il lui. E così ogni tanto l’intreccio sembra sfaldarsi di fronte alle esigenze narrative. Ma viene da dire che non è questo il punto. Perché la forza, e probabilmente l’unico grande motivo di interesse del film, è l’innegabile originalità del suo personaggio, avvocato outsider che pare non possa trovare il suo posto nel mondo e poi, quando lo trova, si accorge che probabilmente è il posto sbagliato. Washington, il cui talento continua a spiccare nel panorama della Hollywood moderna nonostante la new wave di talenti afro-americani bussi alle porte, ci regala un’altra prestazione pregevole che varrebbe da sola il prezzo del biglietto. Gilroy ha comunque una mano registica ferma, specie quando un vago elemento thriller vena di nero la struttura di quello che è a tutti gli effetti un film drammatico. End of Justice non è comunque un film completamente riuscito, benché non sia privo di interesse e non solo nel suo personaggio ben concepito, ma anche nel voler rifuggire lo schema narrativo processuale che ci si sarebbe aspettati entrando in sala. Nonostante i dubbi resta tuttavia l’impressione che il film sia la seconda opera di un regista non banale sia con la penna in mano che con la telecamera in spalla.

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    Solo – A Star Wars story: L’educazione di una canaglia

    Il contrabbandiere spaziale più famoso del cinema lascia a casa l’amico Skywalker e si prende la scena in Solo: a Star Wars story, diretto da Ron Howard e interpretato da Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Donald Glover e Woody Harrelson. In sala dal 23 maggio. 

    Pistola alla fondina, sorriso beffardo, un’astronave scalcinata ma velocissima. Solo: a Star Wars story è la prima uscita in solitaria – scusate il bisticcio di parole – dell’eroe Han,  figura quintessenziale di avventuriero dello spazio che trova le sue origini nella letteratura pulp e nelle strisce di Flash Gordon e che prese corpo al cinema, più di 40 anni fa, grazie alla fortunata intuizione di George Lucas. E anche se Lucas ha preferito lasciare il suo universo ad altre mani questo nuovo corso del personaggio è stato affidato a un regista che alla corte di Lucas è cresciuto umanamente e professionalmente. Il riferimento è a Ron Howard che il miglior ruolo da attore cinematografico lo ebbe nel lucasiano American Graffiti e che dietro la macchina da presa firmò il fantasy Willow su un soggetto scritto dal celebre regista/producer.

    Tornando invece a Solo, e al suo nuovo volto, quello del 28enne Alden Ehrenreich, lo troviamo negli slum di un pianeta cantiere intento a vivere alla giornata, qualche anno (non si sa quanti) prima dell’incontro/scontro/confronto con la famiglia Skywalker. Al suo fianco ci sarebbe la giovane Qi’ra (l’Emilia Clarke del Trono di Spade), se non fosse che i loro destini si separano e poi si incrociano nuovamente qualche anno dopo quando Solo, disertore delle forze imperiali, si trova alle prese con una rapina per conto di un’organizzazione criminale transplanetaria guidata dallo spietato Dryden Vos (Paul Bettany). Nell’impresa il futuro contrabbandiere potrà contare sul contributo di una serie di simpatiche canaglie, dal ladro Beckett (Woody Harrelson), al fascinoso contrabbandiere Lando (Donald Glover), passando per un droide idealista e politicizzato (che in originale è doppiato dall’inglese Phoebe Waller-Bridge) e per il futuro compagno di mille avventure, il peloso wookie di nome Chewbacca (il cui costume viene riempito stavolta dal finlandese Jonas Suotamo).

    La sceneggiatura, forte della firma di colui che scrisse probabilmente le battute migliori del personaggio (“Ti amo”/”Lo so”), quel Lawrence Kasdan che qui si fa affiancare dal figlio Jonathan, ripesca dalla tradizione dei migliori film di rapina lasciando intatta la formula originaria del franchise di Guerre Stellari. Ovvero quel sapore di frontiera che condito dai voli del Millennium Falcon arricchisce il bagaglio fantascientifico tradizionale di sentori e richiami alla grande epopea dei western. Una teoria estetica che nell’atto pratico del film si traduce in una grande rapina al treno futuribile, in partite a carte giocate in saloon fumosi e promiscui e nel bisogno costante di mettere mano alla pistola. Solo: a Star Wars story è quindi un Guerre Stellari puro all’80%, dove l’unica carenza dell’equazione è proprio la rinuncia all’aspetto zen della saga, a tutte le ascendenze orientali (dalla Forza ai Cavalieri Jedi ricalcati sulle orme degli antichi samurai) che mischiate all’occidente dei cowboy spaziali avevano creato la formula di un successo che non sembra patire particolarmente il peso degli anni.

    Molto diverso quindi l’approccio rispetto all’altro spin-off, Rogue One, del 2016 che invece cercava di allargare il discorso ad altri generi e ad altre soluzioni narrative. Quello che hanno in comune i due film è però l’essere usciti apparentemente indenni da un iter quantomeno travagliato. Se Rogue One era stato costretto a sottoporsi a una massiccia dose di riprese aggiuntive (che pare abbiano modificato il film per un terzo circa della sua durata) girate da un regista non accreditato (il Tony Gilroy di Michael Clayton) a Solo è andata anche peggio, perché i due registi originari, Phil Lord e Christopher Miller sono stati letteralmente cacciati a metà della produzione per aver puntato troppo, pare, su un accento comico poco gradito alla plenipotenziaria Kathleen Kennedy, presidente della Lucasfilm. Un plauso allora a Ron Howard che è riuscito a riportare in carreggiata quello che sembrava un carrozzone impazzito e che ha trasformato un’opera nata male in un dignitoso film di avventure, che mostra alcuni degli episodi citati nei film della serie tradizionale ma mai mostrati in video, dalla famigerata rotta di Kessel al cambio di mano del Millennium Falcon. Ehrenreich vanta dalla sua una buona somiglianza all’Harrison Ford giovane e riesce a incanalare quel senso di spavalderia che era poi l’unica cosa che la sceneggiatura gli chiedeva. Mette in tal modo a tacere quelle voci che durante la travagliata lavorazione lo davano come poco adatto al ruolo. Emilia Clarke invece gestisce con grazia il ruolo difficile della ex, il primo amore di un eroe, famoso per aver conquistato in un imprecisato futuro il cuore di una delle principesse più celebri del cinema.

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    Avengers: Infinity War – Ingorgo di eroi

    Tutti gli eroi Marvel si riuniscono per fronteggiare il tiranno Thanos in Avengers: Infinity War. Sullo schermo tra gli altri Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch e Chris Hemsworth. Alla regia i fratelli Joe ed Anthony Russo. In sala dal 25 aprile.

    C’era una volta un bastimento carico di eroi, così affollato da sembrare un autobus all’ora di punta, di quelli dove per riuscire a emergere, anche solo a respirare, tocca sgomitare e farsi spazio in una piccola e sporca guerra con chi ci sta accanto. Se tutto questo fosse un film si chiamerebbe Avengers: Infinity War e alla fine così è, per gentile concessione di Walt Disney e soci, che hanno deciso ancora una volta di riunire in una sola pellicola tutti i personaggi di casa con sommo gaudio di pubblico e botteghini e per somma disperazione di sceneggiatori e narrativa in generale. Questa famiglia allargatissima comprende una schiera di attori che è difficile anche solo enumerare (per citarne alcuni: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Chris Pratt, Chris Evans, Benedict Cumberbatch, Elizabeth Olsen, Zoe Saldana, Mark Ruffalo, Gwyneth Paltrow e le rising star Tom Holland e Chadewick Boseman, più qualche guest star in solo voce, come Bradley Cooper e Vin Diesel). Non sorprende quindi che a dirigere il plotone siano serviti non uno ma due sergenti istruttori, al secolo Joe ed Anthony Russo, nati come registi televisivi, poi adottati dalla Marvel a cui, prima della promozione agli Avengers, avevano affidato due pellicole di Capitan America.

    Non è facile riassumere la trama che, come ogni tanto accade con i Marvel Studios, tende a non reggersi sulle proprie gambe ma a dover fare affidamento su altri film che così si trasformano inconsapevolmente negli episodi della serie tv più costosa di sempre. In Infinity War in particolare ci troviamo di fronte alla minaccia del tiranno Thanos (versione fanta-digitale di un Josh Brolin più che dignitoso), figura nascosta in sottotraccia in tante altre pellicole dello stesso universo, che fa finalmente la sua roboante entrata in scena alla ricerca di sei mistici feticci, le gemme dell’infinito. Inutile aggiungere che tutti gli eroi della terra (e qualcuno anche di fuori) si muovono per prendere le difese dell’inconsapevole pianeta nonostante i rancori accumulati in qualche sfida precedente (per i particolari consultare Captain America: Civil War). E così ecco Iron Man (Downey Jr.), Capitan America (Evans), Thor (Hemsworth), Hulk (Ruffalo), i Guardiani della Galassia (Pratt, Saldana e soci), il Doctor Strange (Cumberbatch), Spider-Man (Holland) e Black Panther (Boseman), tutti schierati in bella vista contro la minaccia.

    E qui scendono in campo le sgomitate di cui sopra, perché per piazzare in 160 minuti di film almeno 20 eroi e un cattivo i poveri sceneggiatori Christopher Markus e Stephen McFeely hanno dovuto di fatto rinunciare a ogni velleità narrativa, affidando il carattere dei personaggi a pochi scambi di battute e lasciando che a comunicare fosse per lo più il linguaggio universale dei pugni, anche perché i pochi attimi di pausa vanno riservati a presentare l’unico personaggio poco noto al pubblico, il cattivo Thanos. Così finisce che Avengers: Infinity War diventi un film sul cattivo dove i buoni sono protagonisti nella forma ma non nella sostanza. Una cosa di per sé piuttosto originale anche se la sensazione è che si tratti di un’originalità involontaria, figlia più di una contingenza che di un’onesta riflessione narrativa. I sintomi del male che affligge gli Avengers si potevano già riscontrare nel primo film della saga (diretto da Joss Whedon nel lontano 2010), quando il villain Loki, interpretato da Tom Hiddleston, finiva per rubare la scena ai troppi protagonisti. Ma in Infinity War la diagnosi è anche peggiore perché nel frattempo i personaggi sono aumentati di numero e anche di profondità, hanno lasciato la loro bozza larvale e nei rispettivi film da solisti hanno preso una dimensione che nel film dei fratelli Russo va tristemente perduta. Dal canto suo il gigante viola Thanos non riesce a colmare quel vuoto di personalità e quel pizzico di amareggiata delusione che resta nel vedere tanti bei personaggi appiattiti alle esigenze di un blockbuster più commerciale del solito. Ed è un peccato doppio perché la carne al fuoco è tanta e le scene a effetto pure, a cominciare da un finale drammatico e inconsueto che probabilmente basta a segnare il successo anche delle prossime uscite Marvel.

    Avengers: Infinity War resta comunque un film difficile da decifrare. Perché è indubbiamente divertente ma è anche vero che si fa fatica a definirlo film. L’inizio è praticamente in media res (per i particolari consultare Thor: Ragnarok), i personaggi sono presi a prestito da altre pellicole e salvo rare eccezioni sono assolutamente privi di un qualunque sviluppo emozionale e anche il finale finisce per alimentare la sensazione che quella dei fratelli Russo sia solo una magnifica appendice, il corollario fragoroso di un collage narrativo che si può ammirare solo nella nostra memoria o più facilmente tra le righe di una voce Wikipedia. Ci troviamo di fronte a nuova forma di narrativa cinematografica? Figlia magari di una decade d’oro per l’intrattenimento televisivo a puntate? Finora gli applausi meglio riservarli al confezionamento commerciale. Perfetto, da marchiare a ferro e fuoco in ogni manuale di marketing applicato all’industria dell’entertainment. Però proprio uno dei personaggi presenti nel film sembra farsi carico di un pro-memoria che non ci ha lasciato indifferenti. Il Black Panther interpretato da Chadewick Boseman, reduce da un poderoso miliardo incassato in tutto il mondo, ci ricorda infatti che i soldi al cinema si possono fare anche preferendo le storie agli stratagemmi, alla dinamica lievemente ricattatoria dei crossover e dei finali aperti. E allora godiamoci queste due ore e passa di vuoto luccicante e aspettiamo un altro film per vedere di nuovo all’opera dei personaggi. Uno o due alla volta però, per carità.

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    Rampage – Furia Animale: I nemici a quattro zampe

    Dwayne Johnson e il regista Brad Peyton tornano a collaborare in Rampage – Furia animale, monster movie ispirato a un classico videogioco arcade. Nel cast anche Naomie Harris e Malin Akermann. In sala dal 12 aprile.

    C’erano un lupo, un gorilla e una grossa lucertola. Non è una favola di Esopo e neanche una barzelletta delle elementari. È, o meglio era, un videogame da sala giochi e ora è anche un film che affianca al brand classico un sottotitolo italiano truce quanto basta. Rampage – Furia animale, per chi ancora non dovesse saperlo, è la nuova collaborazione tra il divo ex wrestler Dwayne Johnson (un tempo noto come The Rock) e il regista Brad Peyton, già artefici di San Andreas, disaster movie per famiglie che dopo aver spazzato via una metropoli e ridisegnato la geografia di un continente si chiudeva sull’inquadratura di un indomito bandierone americano. Il peggio che Hollywood abbia da offrire, penserà qualcuno. Un investimento valido ripagato più di tre volte al botteghino, hanno pensato invece i contabili della Warner Bros. E quindi ecco riproporre la formula. Johnson, Peyton e una città che crolla.

    E allora ecco un esperimento poco etico e degli animali giganti diretti su una città malcapitata. I personaggi umani sembrano quasi un’aggiunta distratta. Li si cita giusto per dovere di cronaca. C’è Davis, primatologo ed ex soldato (Johnson), c’è la scienziata ribelle Kate (la Naomie Harris dei film di James Bond e del recente Moonlight), c’è  il federale-cowboy Russell (Jeffrey Dean Morgan) e c’è la spietata capitalista Claire (Malin Akermann). Lo schema è abbastanza semplice: la spietata capitalista porta avanti l’esperimento poco etico, la scienziata ribelle è l’unica che potrebbe fermarla e in suo aiuto si schiereranno il primatologo ex soldato e il federale cowboy.

    Per scrivere Rampage – Furia animale sono serviti quattro sceneggiatori e la notizia farebbe già arcuare non poche sopracciglia. Se poi tra i quattro spunta anche il nome di Carlton Cuse, importante autore televisivo (Lost e non solo) i dubbi cominciano ad assumere la forma inquietante della certezza, specie considerato che era stato proprio Cuse a scrivere San Andreas. Né lui né gli altri tre (al secolo Ryan Engle, Ryan Condal e Adam Sztykiel, il primo dei quali accreditato anche come soggettista) sembrano provare il minimo interesse per i propri personaggi e finiscono per profondere tutto l’impegno dedicato a questo film (che immaginiamo non sia stato eccessivo) nel cercare di dare uno straccio di trama a un videogioco dove impersonavi un mostro che distruggeva una città.

    Date le premesse non esaltanti non c’è da meravigliarsi che proprio la parte iniziale, quella introduttiva, sia la più debole, nonostante usi tutti gli stratagemmi peggiori per arrivare dritto al punto. Un esordio che sembra la parodia di Gravity, preceduto da una schermata con uno spiegone in didascalia, e seguito dall’introduzione dei personaggi avvolta in una comicità tra l’infantile e il blando non bastano a tagliare i tempi. E alla fine i mostri e l’azione arrivano solo dopo più di mezz’ora quando la pazienza dello spettatore ha già subito parecchi colpi, quasi tutti bassi. E quando il punto arriva non è che la situazione migliori più di tanto. Lucertole alla Godzilla da una parte, gorilla alla King Kong dall’altra e il senso di deja vu nel mezzo, se fosse stato un film di Sergio Leone si sarebbe chiamato Il brutto e il cattivo, perché di Buono c’è davvero poco. E in effetti l’unica cosa che sembra salvarsi è lo scimmione albino George, ricreato in digitale sui movimenti dell’attore Jason Liles, a cui sono affidate le battute migliori del film (e potrebbe non essere un caso visto che parla solo il linguaggio dei segni).

    Rampage – Furia animale eleva ad arte il concetto di mediocre innocuità, e pure se avrebbe potuto scriverlo un generatore automatico di film catastrofici ha almeno il vantaggio di non essere platealmente offensivo. L’encefalogramma però resta piatto e i  miracoli non li può fare neanche il carisma di Dwayne Johnson (che in America gode di una stima tanto diffusa che qualcuno aveva pensato di lanciare una sua candidatura alla Casa Bianca). E così il film finisce per sembrare un’anteprima sbiadita del già annunciato King Kong vs Godzilla, senza peraltro averne le ambizioni, che non devono essere per forza quelle di fare buon cinema, ma semplicemente di aggiungere un nuovo cult alla lista dei nostri piaceri colpevoli.

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    I segreti di Wind River: Storie di una frontiera che non c’è più

    Jeremy Renner ed Elizabeth Olsen, dopo le avventure degli Avengers, affrontano nevi e belve in I segreti di Wind River. Dirige Taylor Sheridan, sceneggiatore di Sicario ed Hell or high water. In sala dal 5 aprile

    Storie estreme di un’esistenza ai margini. Anche se i margini non sono i sobborghi putridi di una megalopoli ma gli spazi sconfinati della frontiera americana, una frontiera che non c’è più. I segreti di Wind River canta una canzone un po’ retrò, quella dei cowboy e degli indiani, ma la reinterpreta secondo i canoni estetici della modernità, perché in fondo il western è stato spesso un genere senza tempo, perso tra montagne e deserti senza una collocazione temporale e geografica precisa. E il Caronte di questa traslazione si chiama Taylor Sheridan, uno che fino a qualche tempo fa faceva l’attore (nella serie tv Sons of Anarchy) e che ora ha trovato una nuova voce a Hollywood, una voce che viene ascoltata con sempre più attenzione. Ha cominciato prima come sceneggiatore, firmando Sicario di Denis Villeneuve e poi Hell or high water, il film distribuito in Italia solo da Netflix che gli è valso una nomination all’Oscar. Adesso è tornato il momento di mettersi dietro la macchina da presa (Sheridan aveva diretto un film nel 2011) e la musica – si diceva – non è tanto diversa da quella di Hell or high water.

    Cory (Jeremy Renner) è un cacciatore solitario. Il suo lavoro è dare la caccia ai predatori e non per metafora. Lupi all’inizio, un leone di montagna poi. Ma lupi e leoni non sono le uniche belve feroci che si muovono ai confini della riserva di Wind River. E Cory un giorno trova il cadavere di una ragazza semisepolta nella neve. Solo allora arriva l’agente Jane (Elizabeth Olsen). Originaria della Florida, di stanza a Las Vegas, non c’è niente di più lontano dai paesaggi aspri del Wyoming. Eppure anche lei dovrà cambiare, dovrà mostrare una forza che non pensa di avere, se vuole sopravvivere perché, come le spiega Cory, “il lupo non uccide il cervo sfortunato, ma solo quello debole”.

    La musica è quella di Hell or high water si diceva. E I segreti di Wind River, come il film diretto da David Mackenzie, è un western moderno che alterna la malinconia di fondo a scoppi di violenza tanto inattesi quanto fragorosi. Perché in fondo dai cowboy ci aspettiamo sì i deserti e le montagne (in questo caso le montagne) ma anche le colt spianate e il rumore del proiettile. La sceneggiatura, ovviamente firmata dallo stesso Sheridan, ha i tempi bruschi e il linguaggio minimale di un romanzo di Cormac McCarthy ma non ha l’attualità di Hell or high water, che affiancava alla storia di due fratelli rapinatori anche una riflessione amara sulla crisi e un dito accusatorio puntato contro le banche.

    L’elemento politico lascia il posto a una più intensa componente emozionale che poggia per lo più sulle spalle di Jeremy Renner, attore che fa sempre piacere vedere all’opera e che fa ancora più piacere vedere al centro della scena. Portatore sano di gravitas il suo Cory incanala il senso della perdita ma anche la quieta solidità delle montagne, uno spirito placido e indomito che sa di eternità. Nella strana coppia di pseudo-sbirri l’ex gemellina Olsen sfrutta dal canto suo l’affiatamento con Renner, maturato sul set degli Avengers. È lei il personaggio dinamico, contraltare alla malinconica staticità del cacciatore filosofo. È lei che è costretta a rispondere ai nuovi stimoli di un ambiente antico o a evolversi in un senso più darwiniano del termine. Il suo tassello nell’incastro di Wind River è forse il più importante, serve a non cedere alla tentazione di una lettura superomistica, serve a ricordare che il rapporto modellante tra natura e uomo non è una risorsa chiusa. Che le montagne sono lì, pronte a impartire la loro lezione a chiunque sappia ascoltare, a chiunque abbia voglia di non arrendersi.

    Quanto è fuorviante il titolo italiano de I segreti di Wind River, forse un richiamo alla lynchiana Twin Peaks, eppure il film di Sheridan di segreti non ne ha molti. E quelli che ci sono vengono svelati appena passata la boa di metà film. E dopo a parlare sono solo le lacrime e le pistole, la neve e le belve feroci. Sostanzialmente l’esame è superato, senza magari l’eccellenza ma con voti ampliamente al di sopra del sei. L’esame ovviamente è quello del Taylor Sheridan regista, l’unico enigma di un film che per il resto poggiava su basi solide quanto i piedi di una montagna. L’attore-sceneggiatore si trova a suo agio a guado nella neve e se qualche volta sembra preferire la scorciatoia delle sparatorie è anche vero che poi si ricorda del potere consolatorio delle lacrime e lascia lo spettatore nella solitudine delle sue riflessioni e delle sue commozioni. I segreti di Wind River è un film piccolo e potente, che si fa apprezzare e che lascia anche un grande margine di crescita a un autore da tenere d’occhio nella skyline tanto irregolare della città di celluloide.

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    Ready Player One: Un grande regista e il suo habitat

    A poche settimane da The Post Steven Spielberg torna al cinema con il fantascientifico Ready Player One, tratto dal romanzo culto di Ernest Cline. Interpreti Mark Rylance e i giovani Tye Sheridan e Olivia Cooke. In sala dal 28 marzo.

    Non serve neanche inserire la moneta per vedere la scritta Ready Player One. Il mantra delle sale giochi oggi diventa il titolo di un film che è allo stesso tempo un atto d’amore per un momento d’oro nella cultura popolare e un tramite verso le generazioni future, il tutto racchiuso nell’involucro luccicante e ultramoderno di una pellicola virtuale che vive almeno il 60% della sua durata nel rigore digitale della computer graphics. Regista neanche troppo occulto è Steven Spielberg, che mescola l’esperienza ultratecnologica del suo recente Le avventure di Tintin alla sindrome di Peter Pan che ha caratterizzato la parte più felice della sua carriera, quegli anni 80 e 90 che sono il serbatoio principale di citazioni e rimandi della sua ultima opera.

    Il giovane Wade Watts (Tye Sheridan, visto nell’ultimo film degli X-Men) cerca di sfuggire alla tetra realtà dello slum dove vive con una zia non particolarmente affezionata. La sua via di fuga è l’universo virtuale di Oasis, la colossale, straripante creazione di James Halliday (Mark Rylance, già alla terza collaborazione con Spielberg), uno strano ibrido tra il genio innovatore di Bill Gates e la solitaria misantropia del Willy Wonka di Gene Wilder. Halliday è morto ma nonostante tutto la sua ombra aleggia ancora su Oasis, nella forma del suo Avatar virtuale, il mago Anorak. Halliday è morto ma è anche in cerca di eredi, e così la cultura del Mmorpg (acronimo che sta per gioco di ruolo online per il multiplayer di massa) diventa una quest cavalleresca, la ricerca di tre chiavi nascoste dal creatore nello sterminato panorama del videogioco, tre chiavi che apriranno le porte del regno al fortunato vincitore. Sulle tracce dell’insperato tesoro non c’è solo Wade ma una platea di cacciatori e appassionati come la misteriosa Art3mis (Olivia Cooke, già vista nel delizioso Il fantastico peggior anno della mia vita), ma anche la squadra dei Sixers, un esercito di giocatori al servizio del losco affarista Nolan Sorento (Ben Mendelsohn) e della sua multinazionale.

    Lo scrittore Ernest Cline, nell’adattare il suo omonimo romanzo in collaborazione con Zak Penn, è rimasto fedele nello spirito pur essendo costretto a cambiare molti dei riferimenti presenti. Colpa – com’è facilmente intuibile – della giungla dei copyright, in cui una grande produzione cinematografica non avrebbe potuto farsi strada a colpi di machete come aveva fatto invece il bestseller in libreria. Ma se anche cambiano gli attori in gioco, se lo Shining di Kubrick prende il posto del War Games con Matthew Broderick, se compare il più noto Gundam al posto del misconosciuto Ultraman e se dal magma delle citazioni emergono Ritorno al Futuro (prodotto dall’Amblin di Spielberg) o Il Gigante di Ferro di casa Warner Bros. (che produce e distribuisce anche Ready Player One) il valore effettivo non cambia.

    E, non neghiamolo, al di là della sottotraccia idealista, di una critica sociale che prende la forma di una realtà tendente al distopico, al di là del richiamo più che necessario alla vita reale il corpo magnetico del film è proprio nell’omaggio continuo, sistematico e ricchissimo ad ogni aspetto della cultura popolare. Cinema, musica, fumetti, cartoni animati e videogame. Il gioco di rimandi è una gioia per gli occhi, una cornucopia enigmistica, che fa venir voglia di vedere il film più volte, di osservarne anche i fotogrammi per riconoscere i personaggi, le situazioni. E lo spettacolo non si limita alle immagini o ai tanti richiami nei dialoghi ma trova il suo spazio anche nella colonna sonora, con una tracklist di pezzi anni 80 che si mescola alle composizioni originali di Alan Silvestri e a brani di altre colonne sonore (da Ritorno al Futuro e non solo) che accompagnano le apparizioni delle citazioni più celebri.

    Ma il grande merito di questo film, che oltre alle citazioni mette in campo un ottimo ritmo narrativo e apparecchia un mondo vivace e nuovo,  è forse quello di restituire un grande regista al suo habitat naturale. Ready Player One rispolvera lo Spielberg eterno adolescente che alla fine, a parte alcuni picchi (Schindler’s List, L’Impero del Sole, il recente The Post), si è dimostrato un regista molto più compiuto e interessante dello Spielberg adulto. Ed il merito non è solo del regista, che su questo film ha lavorato quasi un anno e mezzo, ma anche del materiale di partenza che è riuscito a ispirarlo come non era riuscito al Roald Dahl del precedente Il GGG. Certo, la padronanza del mezzo cinema non era mai stata in discussione. Del resto Spielberg è uno che il linguaggio della celluloide lo ha rivoluzionato più volte. Ciò non toglie che sin dal volgere del nuovo secolo sempre più di rado il regista di E.T. e di Incontri ravvicinati è riuscito a trovare la sintonia con il suo pubblico, quello che da Duel allo Squalo, da Indiana Jones a Jurassic Park fino ai già citati ed episodici film seri, era pronto ad affrontare qualunque fila al botteghino per lui. Vuoi la scelta di argomenti verbosi che hanno alimentato una naturale propensione alla retorica (Amistad, Lincoln), vuoi la firma su alcuni film riusciti ma non particolarmente personali (Prova a prendermi, The Terminal) anche quando affrontava la tanto cara fantascienza (Minorit Report, La Guerra dei Mondi) Spielberg sembrava aver perso la sua voce autoriale, che ritorna prepotente in Ready Player One. E l’augurio, per noi e per il cinema, è che non sia un caso isolato.

     

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    Pacific Rim – La Rivolta: Il ritorno dei giganti di ferro

    Torna la sfida tra gli svettanti Jaeger e i minacciosi Kaiju in Pacific Rim – La Rivolta. Protagonisti John Boyega e Scott Eastwood, dirige Steven DeKnight, veterano delle serie tv Spartacus e Daredevil. In sala dal 22 marzo.

    La lotta è continuata, nonostante il gran rifiuto del padre fondatore. Pacific Rim – La Rivolta ha trovato la via dei cinema, più forte dei dubbi dei suoi creatori, a cominciare dai produttori della Legendary e della Universal che avevano dovuto fare i conti con i segnali contrastanti al botteghino del film capostipite, che fu un mezzo fiasco nel mercato americano ma un crac imprevisto all’estero e soprattutto nella strategica piazza cinese. Ma anche i dubbi dello stesso regista, Guillermo Del Toro, che posto di fronte alla scelta tra questo sequel e il passion project La Forma dell’Acqua ha puntato su quest’ultimo e il tempo e le giurie (a Venezia come agli Oscar) gli hanno dato ragione.

    Ma il mondo stilizzato di robot giganti e mostri alieni, specie in una versione che ha assunto le forme fittizie della realtà, era troppo appetibile a un certo tipo di platee per lasciarlo a prender polvere nel cassetto di qualche executive. E allora dopo aver ricalibrato il budget (150 milioni a fronte dei 190 del primo film), dopo aver trovato un nuovo regista (lo Steven DeKnight della serie tv Daredevil) e dopo aver messo da parte mezzo cast del primo film Pacific Rim – La Rivolta prende le mosse  dall’incontro tra Jake e Amara. Lui è un ex pilota di robot che ha preferito una vita vissuta ai margini dell’illegalità ed ha il volto di John Boyega, l’astro nascente degli ultimi film di Star Wars ma anche del Detroit diretto da Kathryn Bigelow. Lei è un’adolescente appassionata di robotica che di robot se ne è costruito uno in casa ed è interpretata dall’esordiente Cailee Spaeny.

    Il loro incontro è uno scontro che finirà per attirare le attenzioni delle autorità. E i due verranno arruolati nel programma Jaeger, dove Jake troverà l’ex amico Nate (Scott Eastwood, figlio sosia del leggendario Clint) e la sorellastra Mako (Rinko Kikuchi), uno dei pochi reduci del primo film. In queste fila si iscrivono anche gli scienziati Hermann e Newton (Burn Gorman e Charlie Day), un tempo inseparabili soci ora su fronti opposti. Sempre nel programma Jaeger il primo, al servizio della ipermanager Liwen (l’attrice cinese da esportazione Jian Ting) l’altro.

    La minaccia, neanche a dirlo, è quella dei Kaiju, i grandi mostri giapponesi che spuntano dalle acque del pacifico ma arrivano da un’altra dimensione. E giusto il tempo di una premessa neanche troppo convinta e la sceneggiatura, firmata a otto mani dal regista, da Emily Carmichael, Kira Snyder e T.S. Nowlin, si getta a capofitto nella caciara delle scazzottate a taglie forti tra mostri e robot e, giusto per aggiungere un pizzico di novità, i colpi volano anche tra robot e robot. Ma forse per Pacific Rim – La Rivolta varrebbe il detto “niente nuove, buone nuove”, e invece qua le nuove ci sono e non sono buone. Anche se Pacific Rim non sarà mai considerato né il più riuscito né il più sentito dei film di Guillermo Del Toro è impossibile non sentirne la mancanza, specie dopo che il regista messicano è andato a conquistarsi tutti gli allori a disposizione nel vecchio e nel nuovo continente.

    Steven DeKnight invece rischia di fare la fine di un altro collega dal percorso simile, Alex Kurtzman, sceneggiatore e produttore televisivo stimato che è caduto nella trappola dell’esordio con un film ad alto budget (nel suo caso fu il disastroso La Mummia, con Tom Cruise). Senza volersi ergere a Cassandra il rischio di affidare tanti soldi a un regista inesperto non è da poco. Dal canto suo il producer delle versioni televisive di Spartacus e di Daredevil sembra volersi addentrare su sentieri molto più battuti e sicuri. E se Del Toro voleva incanalare direttamente le ascendenze di manga e anime giapponesi DeKnight preferisce rifarsi a un materiale simile ma comunque mediato e metabolizzato dalla cultura americana, a cominciare dai quei Transformers che al cinema sono stati la fortuna di Michael Bay.

    E proprio la formula, tutta azione ed esplosioni del regista californiano, sembra la bibbia di questo sequel, che mette da parte qualunque tentativo del predecessore (peraltro già abbastanza sporadico) di affrontare anche il tema dell’empatia e dell’emozione umana. Quello sì che è finito nel cassetto dell’executive, meglio limitarsi alle botte da orbi e ai mostri in cgi che quando ci si allontana troppo dal canovaccio il film di DeKnight finisce per scadere non solo nel già visto ma anche nel banale. Pacific Rim – La Rivolta in sostanza è il seguito sbiadito di un film che già non era particolarmente riuscito di suo ma che almeno aveva un pizzico di anima, per di più diretto da un regista alle prime armi quando il regista del primo film, proprio quest’anno, ha raggiunto le massime consacrazioni internazionali. Un film che rischia di essere fagocitato dall’ombra di quel che è stato prima e forse proprio per questa paura finisce per ancorarsi a terra in una sorta di scontata autocensura, di accontentarsi della multietnicità del suo cast, come se bastasse qualche attore dell’estremo oriente per rifarsi dei soldi dell’investimento. Il marketing ci dice che potrebbe andare proprio così, ma il cinema è un’altra cosa.

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    Tomb Raider: Un tesoro di nome Vikander

    Torna Tomb Raider, il videogioco che ha avuto più fortuna al cinema, con una nuova protagonista: Alicia Vikander. Dirige il norvegese Roar Uthaug. In sala dal 15 marzo.

    La banchina affollata del porto di Hong Kong, tre delinquenti in fuga e la protagonista all’inseguimento. All’improvviso tra inseguiti e inseguitrice si frappone un ostacolo, l’acqua che separa un molo da una barca in movimento. Nella realtà parallela e digitale dei videogame sarebbe stato un salto facile, specie per chi è abituata ad arrampicarsi sulle pareti con la perizia di una free climber e ad esibirsi in evoluzioni da ginnasta. Ma la Lara Croft dell’ultimo film di Tomb Raider esita e non salta.

    Forse perché l’eroina dei videogame, che rinuncia alle forme squadrate della grafica poligonale e prende il corpo asciutto e atletico di Alicia Vikander, non è ancora l’eroina dei videogame. Questa almeno sembra l’idea su cui poggia l’impianto del terzo adattamento cinematografico, firmato dal norvegese Roar Uthaug, che fa seguito ai due interpretati da un’Angelina Jolie all’apice del suo sex appeal. Un reboot quindi che vorrebbe essere anche un prequel con una Lara Croft alle prime armi, che non fa ancora affidamento sulle leggendarie pistole gemelle e che non sfoggia neanche la treccia di ordinanza. La futura avventuriera è una ragazza scapestrata, ancora alla ricerca del proprio futuro, che sbarca il lunario facendo le consegne a domicilio e che, ancora prima che il futuro, non ha chiuso i conti con il passato. Un passato rappresentato dall’ombra di un padre (il Dominic West della serie The Wire) di cui si sono perse le tracce in modo misterioso.

    Una chiave, una stanza segreta, un’antica leggenda giapponese. Sono quelli che in gergo si chiamano macguffin, dei pretesti che fanno muovere la storia verso la sua logica conclusione, e in questo caso la logica conclusione è un’isola inaccessibile, è una tomba piena di tesori, o forse solo di segreti, con le sue antiche sale fitte di trappole, botole e trabocchetti da cui scampare grazie alle risorse atletiche e una mente lucida. Quello che ha promesso (e anche mantenuto), in sostanza, ogni versione dell’originale videoludico. Era l’unica possibile conclusione e nessuno potrà fare una colpa agli sceneggiatori Geneva Robertson-Dworet e Alastair Siddons se si sono sentiti in dovere di dare al pubblico quello che il pubblico poteva aspettarsi da un film chiamato Tomb Raider. Tutto questo ha un prezzo, però. E il prezzo è stato quello di perdere per strada lo spunto iniziale per mostrarci un’eroina più simile a quella che conoscevamo.

    Probabilmente è questo il peccato originale del nuovo Tomb Raider, un film che già alla partenza deve affrontare una sfida non da poco, ovvero superare la maledizione che finisce per affossare (artisticamente più che economicamente) ogni film tratto da un videogame. E quando le buone sequenze d’azione della prima parte, frutto di un lavoro certosino sulle inquadrature sostenuto dall’apporto invisibile degli stunt-men, lasciano il posto a un utilizzo preponderante e invasivo del green screen allora i dubbi tornano a galla, lo spettro della maledizione aleggia. E a dissiparlo non serve neanche il precedente di Uthaug, che si ritrova alle prese con un mare in tempesta dopo che era stata l’onda anomala del disaster movie scandinavo The Wave a farlo uscire dall’anonimato.

    Ma Tomb Raider non è solo questo, è anche l’intensità della sua protagonista che, va detto, si dedica anima e corpo al ruolo che potrebbe lanciarla nel remunerativo mondo dei franchise. L’applicazione della Vikander non si vede solo nella preparazione fisica che ha lasciato un’impronta evidente sul suo corpo ma anche nel tentativo di voler dare tridimensionalità a un personaggio che finora aveva conosciuto solamente la tridimensionalità arida del linguaggio macchina. Questa nuova Lara Croft affianca il cipiglio dell’action hero alla tenerezza dell’amore filiale e mostra, nei colpi di scena migliori imbastiti dalla sceneggiatura, di non essere solo un concentrato di muscoli e pistole ma prima di tutto una testa pensante. L’attrice premio Oscar per The Danish Girl è sicuramente la migliore notizia del film, mentre tutto quel che c’è attorno è opaco, è meno a fuoco. L’unica eccezione è forse il villain interpretato da Walton Goggins, uno che ha la faccia della comparsa di uno spaghetti western. Lo aveva capito bene Quentin Tarantino, che gli aveva appunto regalato un ruolo minore nel suo Django Unchained. Ma non è un caso se lo stesso Tarantino abbia promosso Goggins al ruolo di co-protagonista nel successivo The Hateful Eight. Il suo personaggio in Tomb Raider, lo spietato Vogel, non passerà di certo alla storia per originalità, ma l’attore che in tv era stato tra i protagonisti del poliziesco The Shield si sta scavando un suo spazio a Hollywood e nel film fa una figura migliore di molti colleghi molto più titolati di lui. A cominciare da Kristin Scott Thomas, a cui viene riservato un ruolo di secondo piano, passibile però di futuri sviluppi. Peggio è andata a Derek Jacobi, leggenda del teatro d’avanguardia inglese, a cui è toccato davvero un incomprensibile ruolo da comparsa o poco più

    La conclusione è che Tomb Raider è un film d’azione che si lascia prendere troppo dai classici difetti dei film d’azione, dalle sequenze posticce e mirabolanti condite da un eccesso di computer graphic fino al piattume di molti personaggi di contorno, ma al contrario di tanti altri prodotti di un genere spesso umiliato e vilipeso può contare sulla forza di una protagonista che merita di avere il giusto spazio nella ribalta hollywoodiana.

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    Red Sparrow: Cinquanta sfumature di spia

    In Red Sparrow Jennifer Lawrence è un’ex ballerina del Bolshoi costretta a diventare una spia specializzata in seduzione e manipolazione. Dirige il Francis Lawrence dei film di Hunger Games. In sala dall’1 marzo.

    La guerra fredda si scalda all’improvviso, irradiata dalle luci rosse del sesso, dell’intrigo, del potere. Nel centro del mirino metaforico i lineamenti morbidi di Jennifer Lawrence si fanno taglienti come una lama di coltello e intonano con grazia la nota slava di una ex ballerina del Bolshoi finita suo malgrado in un intreccio caotico di realtà e apparenze, di lealtà e tradimenti. A condurre le danze (a volte anche letteralmente) di Red Sparrow è il quasi omonimo Francis Lawrence che aveva preso per mano il franchise-simbolo della giovane attrice del Kentucky, Hunger Games, e lo avevo portato a conclusione garantendo un volume adeguato di incassi e uno star-power tuttora intatto per la sua protagonista.

    Diminika Egorova (Jennifer Lawrence) ha sempre avuto una passione, quella per il ballo, ma quando il sogno è diventato realtà l’etoile scopre nel peggiore dei modi che tutto è fuggevole. Un infortunio, un tradimento, e la vita cambia, grazie alle macchinazioni di uno zio opaco (Matthias Schoenaerts), sia nell’aspetto da cupo uomo di apparato che nelle motivazioni pervase di un’incestuosità neanche troppo velata. E così la ballerina finisce nelle grinfie di un’innominata addestratrice (una Charlotte Rampling più algida che mai) che la farà diventare una Red Sparrow, un’agente  specializzata nella seduzione e nella manipolazione delle menti.

    Solo allora entrano in gioco altri elementi, una talpa da scoprire, un fascinoso agente americano (Joel Edgerton), un gioco di inganni e controinganni dove la menzogna prende la forma inusuale della verità. La sceneggiatura di Justin Haythe (Revolutionary Road), che adatta il romanzo omonimo di Jason Matthews, si ammanta di fumo e di specchi, ma questo non vuol dire che non ci sia anche arrosto dietro la coltre grigia. La narrazione procede spedita, tra pulsioni voyeuristiche alimentate da una Lawrence mai così generosa nelle scene di nudo, e improvvisi scoppi di violenza che ci ricordano che il rosso del titolo è anche il colore del sangue. Ma è sull’incertezza della narrativa che si basa la forza di questo film. Su quel gioco dei paradossi per cui a due finali diversi corrisponde una stessa trama. Sarà il doppio gioco o il triplo gioco ad avere la meglio? Il finale non lo sveliamo ma sono le sfumature di grigio a fare la fortuna del film, magari solo due e non 50, ma la distinzione netta tra buoni e cattivi si perde in quella meno precisa tra vittime e carnefici.

    Francis Lawrence dirige con la mano sicura del mestierante, l’intesa con Jennifer Lawrence è affinata dai tre film girati assieme in precedenza, e l’attrice tra le più pagate di Hollywood si destreggia con grazia con e senza i vestiti, cosa non banale dopo lo scandalo degli scatti a luci rosse diffusi in rete da hacker, di cui lei fu la vittima più illustre. E così Red Sparrow diventa un monumento al corpo e all’ego della sua protagonista, un monumento che mostra anche di avere un respiro abbastanza ampio da supportare anche qualche sequel, qualora un buon successo di pubblico trasformi un dignitoso film spionistico in un franchise.

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