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    TFF36 – The front runner: Quando la politica diventò gossip

    Con i suoi film ha sempre trovato il modo di dare spazio ad autentici ritratti di antieroi, uomini ordinari: teenager incinta, solitari cacciatori di teste e madri single spossate dalla routine. “Questo è il mio universo Marvel”, scherza Jason Reitman al Festival di Torino inaugurato dal suo The Front Runner che conferma ancora una volta l’interesse del regista canadese per un essere umano sfilacciato e complesso e per storie poco consolatorie raccontate con piglio spietato e ironico.

    Qui l’antieroe in questione è Gary Hart (Hugh Jackman), il senatore democratico del Colorado che nel 1987 appariva come il candidato favorito nella corsa alla Casa Bianca, prima che nel giro di sole tre settimane uno scandalo sessuale – Hart avrebbe tradito la moglie (Vera Farmiga) con una modella di Miami, Donna Rice (Sara Paxton), su una barca chiamata Monkey Business – ne segnasse definitivamente il tramonto.
    Una storia vera, che sarebbe diventata uno spartiacque nel modo di concepire media e politica, pubblico e privato nella storia degli Stati Uniti d’America: da quel momento ci sarebbero stati un prima e un dopo Gary Hart. Reitman parte dal libro di  Matt Bai, “All the Truth Is Out: The Week Politics Went Tabloid” per racconta l’ascesa e il tramonto di un uomo le cui questioni private determinarono il destino di una nazione.

    Il film assume sin da subito i contorni e il ritmo serrato del thriller politico, scaraventando lo spettatore nel quartier generale del candidato alle prossime presidenziali, tra collaboratori indaffarati, tv satellitari, capannelli di giornalisti in attesa, fotografi appostati, cartoni di pizza consumati, caffè e dialoghi concitati.
    La macchina da presa sempre in movimento si intrufola fin dentro le redazioni tra vecchi fax scalcinati e giornalisti armati di sola penna e taccuino. Prima che la rete varcasse ogni limite, all’alba della cancellazione di ogni confine tra la dimensione privata e quella istituzionale, prima ancora che politica e gossip pruriginosi si contaminassero per osmosi trasformando la prima in poco più di un reality.

    Alla gogna ci finiscono tutti: politici e media, forse un po’ più i secondi dei primi, nel momento in cui Reitman spinge il pubblico a chiedersi quale sia la responsabilità della stampa nel dare in pasto al voyeurismo dei lettori  un privato che nulla ha a che vedere con le capacità di un politico di gestire la cosa pubblica; o quanto sia etico appostarsi dietro a un cespuglio per estorcere particolari giudicati, dal punto di vista del film, irrilevanti ai fini di una buona carriera politica.
    Zone d’ombra che il regista non risparmia a nessuno dei due imputati, che si allungano fino ad un appassionato sguardo sulla donna: oggettivata, dimenticata, come sarebbe successo a Donna Rice che per anni nell’immaginario collettivo sarebbe rimasta l’anonima biondina con cui Hart folleggiò sulla Monkey Business. Reitman la umanizza e le restituisce dignità, con gli occhi sciupati dal trucco sbiadito dalle lacrime o di spalle sola su una scala mobile, inconsapevole e abbandonata alla propria ingenuità mentre va incontro a un manipolo di giornalisti.
    Inevitabile che il pensiero corra ai nostri giorni, al Metoo, a Trump, alla politica svuotata del suo senso più profondo mentre il discorso di addio di Hart  diventa più reale del reale: “La politica in questo paese, credetemi, è sul punto di diventare un’altra forma di competizione atletica o di una gara sportiva”.

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    Emanuel Caserio: Dalle occasioni mancate a Il paradiso delle signore 3

    Diventato celebre per aver corteggiato Sabrina Ferilli in "Forever Young", il giovane attore torna alla ribalta con il ruolo di Salvatore Amato nel Il paradiso delle signore 3, la fiction da oggi in onda tutti i giorni su Raiuno in versione daily. L'occasione del riscatto, arrivata in uno dei momenti più delicati della sua vita.

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    Venezia 75 – Roma: Cuaron e il sapore del ricordo

    Alfonso Cuaron in concorso al festival con un film targato Netflix, che ripercorre luoghi e persone della sua infanzia nel quartiere Colonia Roma di Città del Messico.

     

    Lunghi piani sequenza, il bianco e nero, il sapore mite del ricordo, la ricognizione storica, una casa-museo strabordante di oggetti, pezzi, frammenti di vita, i rumori, i suoni e le voci dello scalcinato quartiere Colonia Roma di Città del Messico fra il 1970 e il 1971, proprio mentre il paese si ritrovava ad attraversare un momento politico cruciale, che sarebbe culminato nel tristemente noto ‘Massacro del Corpus Christi’, quando un gruppo paramilitare appoggiato dal governo uccise circa centoventi persone. Irrompe così nel concorso della Mostra del Cinema di Venezia il sontuoso e personalissimo ritratto di famiglia (la propria, di estrazione borghese) di Alfonso Cuarón.

    Roma, distribuito in tutto il mondo da Netflix e in sala da dicembre, segna il ritorno del regista messicano al Lido dopo Gravity del 2013; un film realizzato usando i ricordi famigliari e del quartiere della sua infanzia, un progetto a cui Cuaron pensava da almeno quindici anni. E soprattutto interamente messicano dalla troupe al cast, composto anche da attori non professionisti come Yalitza Aparicio (Cleo, all’epoca dei fatti la sua bambinaia), scelta insieme a Nancy García in un villaggio rurale nello stato di Oaxaca.
    Roma appare come il lavoro forse più maturo e completo del regista de I figli degli uomini, che dagli spazi della casa in cui è cresciuto silenziosa, caotica, affollata di persone e mobili, alcuni dei quali autentici, si affaccia al proprio passato e lo guarda con tenerezza (quella di Cleo), lasciando allo spettatore il compito di perdersi nelle inquadrature scolpite dal bianco e nero, e cadenzate dai dettagli.
    Dominano i campi lunghi, le scene si stratificano in più azioni come anche i suoni, uno per ogni luogo: i fischietti degli ambulanti per le strade affollate dell’epoca, i campanelli delle bici, lo sferragliare delle auto in mezzo al traffico, la voce cantilenante dell’arrotino, le urla di protesta. Rumori che si muovono da un punto all’altro, sorprendono il pubblico, lo avvolgono e seguono il movimento della camera, mentre la memoria scorre tra i luoghi, appollaiata tra i volti delle persone e le vecchie fotografie.

    Cuaron ricostruisce la propria storia familiare servendosi dello sguardo di Cleo, “un ruolo basato sul personaggio di Limu, la mia tata da bambino. Eravamo la sua famiglia; sono partito dai ricordi che avevo di lei, durante le riprese sul set ci parlavo spesso. Quando cresci con qualcuno che ami non metti mai in discussione la sua identità, Limu per me era semplicemente mia mamma e qui invece ho tentato di vederla per la prima volta come una donna, di origini indigene, di una classe sociale più bassa, ho adottato un punto di vista che prima non avevo. Nella mia famiglia sono state le donne a portare avanti la casa, praticamente non c’erano uomini”.
    Sì, perché Roma è anche un omaggio alle figure femminili della sua infanzia: domestiche, madri, nonne, ironiche, dolci, dirompenti, abbandonate e agguerrite nel tentativo di rimettersi in carreggiata. Un universo matriarcale in cui le donne sanno di essere sole, perché “non importa quello che ti dicono, saremo sempre sole”.
    Un cinema equilibrato che gioca sulla giusta distanza, sul potere evocativo delle cose e delle immagini, sul ricordo come momento per riguardarsi da un punto di vista privilegiato e lasciare che il lavorio della memoria faccia il resto. Insieme al tempo che ingiallisce, scolora, consuma. E a volte si ferma implacabile su una scena, un istante, un volto.

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